EL MARGINAL

El engancharse con una serie es algo muy común en estos días, inclusive para muchos es hasta mejor que ver una película en el cine, porque en varios capítulos los personajes pueden desarrollarse mucho mejor, las tramas volverse emocionantes e inclusive adictivas para los espectadores que devoran las temporadas como si de una carrera se tratase.

En 1998 Israel Adrián Caetano un director muy joven inició un movimiento en Argentina conocido como el nuevo cine argentino, donde se pretendía dar voz a aquellas masas pequeñas, minorías donde ocurrían ciertas historias características y que dio lugar a que personajes mínimos se dieran a conocer en la gran pantalla del cine presentó la cinta Pizza, Borra y Faso.

Los jóvenes en la noche de Buenos Aires en Pizza, Birra y Faso

Después de ganar 12 premios internacionales Caetano se posicionó como el estandarte de rebeldía del cine latinoamericano y que trascendió inclusive por la manera en que se abordaba el tema de las drogas y los excesos en un Buenos Aires desenfadado, muy al estilo de la gran Los Caifanes de Juan Ibáñez. Ahí Caetano mostró que el interés por los seres marginales también es importante y que no solamente las ideas de gente bonita pueden ser un éxito para la taquilla cinematográfica.

Los tumberos en la pantalla chica

Adrián Caetano junto con Sebastian Ortega un escritor televisivo preocupado por esta realidad del mundo actual, deciden hacer algo para la pantalla chica y presentan en el 2002 la serie Tumberos, donde se muestra la vida en una carcel de Argentina y sus grandes problemas en ese micro universo lleno de personajes muy dispares con problemas muy reales. La serie fue un éxito y permitió que tanto Sebastian Ortega como Caetano llegaran a ser muy respetados en el cine y en la pantalla chica.

La mirada al micro universo de la cárcel

En junio del 2016 la Televisión Pública Argentina se arriesga una vez más para producir una serie con otro nivel de producción, llamada EL MARGINAL con Adrián Caetano y Sebastian Ortega a la cabeza del equipo creativo y esta vez apuntando a que sea algo que les permita continuar con un producto televisivo al nivel de las grandes producciones extranjeras.

En el baño se conoce a los amigos

El marginal es una serie que nos cuenta la historia de Miguel Palacios (Juan Minujín) un policía violento y con muchos problemas que es infiltrado en una prisión de máxima seguridad en Argentina para poder rescatar a la hija de un poderoso juez que se encuentra secuestrada. Ahí dentro de la cárcel Miguel se cambiara el nombre por el de Pastor Peña y tratará a toda costa de rescatar a la joven y sobrevivir a los embates de la mafia interna del penal encabezada por Borges (Claudio Rissi) y su hermano Diosito(Nicolas Furtado), así como los actos del corrupto director del penal Antín (Gerardo Romano).

Los personajes realistas del Marginal

La serie no solamente es una lección de escritura de guión extraordinariamente bien logrado, sino que con cada capítulo nos va involucrando más en este submundo de pobreza, asesinato y seres marginales que se encuentran en un lugar donde lo que menos impera es la ley y la justicia.

Las actuaciones de los personajes principales, soberbias, elocuentes, naturales, los secundarios que inundan el lugar con poco o nulo dialogo y que construyen esa mirada cercana a este lugar olvidado de la mano de Dios. Ellos son personajes que existen en la villa argentina y que saben muy bien como se habla y como se mueve en el barrio. 

La mafia al estilo El Padrino en el penal

La fotografía que corre a cargo de Sergio Dotta que se quita un poco el mote televisivo para poder crear atmósferas mucho más cinematográficas y todo esto aderezado con un diseño de arte maravilloso creado por Vanina Martorilli y Julia Freid que también saben como hacer televisión y que acá tratan de reconstruir de una manera muy acertada este universo del interior de las cárceles mas aterradoras y violentas de los tiempos modernos.

La villa violenta

Los personajes tienen vida, son humanos, algunos pagan por sus errores, otros los comenten con mas saña aun, el personaje de Pastor Peña es un hombre con el único objetivo de terminar su misión y salir nuevamente a la libertad, pero muchas sorpresas le esperan en el camino.

La Corrupción de la ley

Sin duda alguna EL MARGINAL es una muestra que en Latinoamérica también podemos hacer algo de nivel, algo que sea adictivo y que valga la pena disfrutar. Una delicia de serie para quien busca algo totalmente diferente. 13 capítulos que los van a mantener al borde del asiento.

Adrian Caetano y Sebastian Ortega esperando veredicto

Netflix compro los derechos de transmisión y ahora ya se confirmo su segunda temporada

NUESTRO VEREDICTO: Entretenida, valiente, exponencialmente de calidad, adictiva, una buena serie con todas sus letras.

Recomendamos antes de verla sacarse el prejuicio y disfrutar del slang Argentino, Colombiano y emocionarse mucho!

PARA DISFRUTAR EN NETFLIX YA!

CALIFICACIÓN: 9 DE 10

CREADORES:  SEBASTIAN ORTEGA Y ADRIAN CAETANO

ACTORES: JUAN MINUJIN, NICOLAS FURTADO

GÉNERO: ACCIÓN/THRILLER CARCELARIO

ve el trailer de esta sensacional serie

RÁPIDOS Y FURIOSOS 8

Si pudiéramos definir la saga de Rápido y Furioso en tan solo una frase, quizá lo primero que se nos venga a la mente es Mucho Ruido y Pocas Nueces. Lo que comenzó como una cinta de autos, chicas en ropas pequeñas y los famosos arrancones por allá de 2001 con The Fast and the furious del director Rob Cohen y que inclusive robaba la idea de aquella maravilla sobre valorada llamada Punto de Quiebra(Point Break, 1991)del policía encubierto metiéndose en una banda de surfers ladrones, cambiándolo por una banda de corredores de autos ilícitos y ladrones también, se volvió ahora en un evento sin precedentes según dicen los productores de la nueva cinta Rápidos y Furiosos 8 “si leyeron bien, 8”

Los Raperos violentos de Straight outta Compton

La dirección corre a cargo de F Gary Gray que se ha convertido en un director afro americano con altos estándares entre la comunidad negra ya que es el realizador que ha llevado a la pantalla historias como Straight Outta Compton (2015) donde nos cuenta el origen del movimiento de hip hop en los Estados Unidos o bien la comedia Friday (1995) donde lanzo como comediante al rapero Ice Cube.

Vin Diesel ayudando al tercer mundo

De que se trata esta nueva entrega de los furiosos? Toretto(Vin Diesel) se encuentra relajado en Cuba(aunque usted no lo crea) donde vive con Lety(Michelle Rodriguez) ayudando a los pobres y corriendo sus tradicionales arrancones, todo cambiará, cuando de pronto Cypher(Charlize Theron) aparezca misteriosamente y obligue a nuestro héroe a ir en contra de todos por resguardar un secreto oculto de hace algunos años (como telenovela de televisa) y que malvadamente lo involucre en actos terroristas  traicionando a su grupo de furiosos amigos incluyendo a Hobbs (Dwayne “la roca” Johnson), Roman (Tyrese Gibson), Tej Parker (ludacris) y por supuesto a su amada Lety.

Charlize tratando de sentir algo con la actuación de Vin Diesel

La cinta de Gray es un espectáculo lleno de mal gusto, dinero que se desborda sin sentido (véase la secuencia de persecución en donde llueven “textualmente” autos ultimo modelo en la calle)  y una trama no solo floja, sino inexistente. Todo esta sobre los hombros del tipo más anticarismatico y parco que ha dado Hollywood; Vin Diesel, que hace ver a Stallone, Schwarzenegger o Van Damme como Marlon Brando cada vez que intenta actuar o bien articular una frase con algún sentimiento.

A medirse para ver quien es el mas furioso

Lo vacío de la cinta se complementa con chistes baratos (la mayoría aludiendo a la hombría de los protagonistas) un Patiño totalmente absurdo interpretado nada mas ni nada menos que por el hijo de Clint Eastwood, Scott Eastwood que se parece físicamente a su padre, pero solo físicamente ya que sus dotes actorales son bastante limitados. La cereza en el pastel es Jason Statham que hace su trabajo bastante bien, como siempre, dando golpes sin ton ni son, a cada paso que da y utilizando sus dotes de peleador de una manera bastante efectista pero entretenida (véase la penúltima secuencia donde pelea tratando de salvar a un bebé arriba de un avión)

Statham como pez en el agua

Poco que decir de esta cinta, que más que una secuela es un producto sin chiste, sin alma, sin corazón que hinchara los bolsillos de los productores, para un público que no exige nada, que no pide nada y que se limita a pagar una entrada para ver clichés, absurdos vacíos y un cine que ni siquiera sirve para divertir ya que le sobra mas de una hora a la película y se vuelve verdaderamente ruidosa e insoportable.

Por supuesto que no esperábamos mucho de esta secuela innecesaria (como todas las anteriores) pero quizá al menos pudieron darle un poquito de onda a la trama, aprovechar los actores como Charlize Theron que hace de villana y que tenía al menos un potencial de ser algo más que una malvada terrorista que se sienta a apretar botones en una computadora. Igualmente el Quizá no existe.

F Gary Gray preocupado por sus millones y por el veredicto

NUESTRO VEREDICTO: Aburrida, sosa, vacía, una franquicia agotada. Para verse en un camión o cuando no se tenga nada que hacer

CALIFICACIÓN: 4 DE 10

DIRECTOR F. GARY GRAY

ACTORES: VIN DIESEL, CHARLIZE THERON, DWAYNE JOHNSON

GÉNERO: ACCIÓN

THE WAVE: La última Ola

Las películas cuyo principal atractivo es la naturaleza contra el hombre, siempre han encontrado gran aceptación entre los espectadores y aunque podemos mencionar títulos interesantes dentro de esté género y otros bastante vergonzosos (se viene a la mente 2012 de Roland Emmerich o the Happening de M Night Shyamalan) siempre es emocionante ver como la naturaleza humana enfrenta la furia del medio ambiente.

Nadie escapa al Yeti malvado de Frit Vilt(Escalofríos)

El director Roag Uthaug originario de Noruega nos dio una bocanada de aire fresco dentro del género del horror con la cinta Escalofríos (Fritt Vilt, 2006) donde reinventaba un poco el slasher en medio de un clima totalmente nevado en la montaña. La cinta género buenos reviews e incluso se realizó un segunda parte ya sin Uthaug a la cabeza.

La Lucha contra la naturaleza

En el 2015 y después de ver y escuchar sobre las fallas geológicas de montañas aledañas al país y también a Romanía decidió junto con los guionistas John Káre Raake y Harald Roseniow-Eeg realizar una historia parte ficción y parte realidad sobre un pequeño pueblo en Noruega que se encuentra justo en medio de enormes montañas y con gran peligro de que una falla geológica convierta el hermoso paisaje en una gran pesadilla.

Que se viene la OLA

Así la cita BOLGEN que se conoció en Estados unidos como THE WAVE (2015) es un reflejo de ese miedo interno del ser humano ante las grandezas del mundo natural, del como esa ínfima parte llamada humanidad, en menos de 10 minutos puede ser exterminada y convertirse en un lugar totalmente vacio. Uthaug nos cuenta la vida de una familia que está a punto de irse del lugar para buscar un mejor estilo de vida, que va a enfrentar este hecho natural aterrador y que tendrá que buscar la manera de sobrevivir después del holocausto.

A Correr se ha dicho

Los efectos especiales son de primer nivel, aunque por momentos el abuso del digital le dé un tono muy artificial sobre todo en el momento en que la Gran Ola del título se levante, el construir bastante bien a sus personajes principales encabezados por Kristoffer Joner que interpreta al geólogo Kristian Eikjord y que anteriormente hemos visto en cintas como El Renacido (the Revenant, 2015) de Alejandro G Iñarritu y que es un actor que deja alma y corazón a su personaje, que internamente sabe que la falla puede ocasionar un caos y que decide hacerle frente e intentar salvar a la mayor cantidad de personas posibles, son el acierto más grande de la película, los efectos acompañan, ayudan a hacerlo más cinematográfico pero lo que más importa es el drama humano de estos personajes.

El mundo apocalíptico en menos de 10 minutos

The Wave es sin duda un espectáculo visual muy humano, que nos invita a emocionarnos con el paisaje y con la idea aterradora de un pequeño fin de la humanidad, sin ser una película de ciencia ficción. En Noruega históricamente la cinta representa la primer película sobre desastres naturales que se atreven a hacer y que ha sido un éxito sin precedentes. La cinta gano ya 6 premios internacionales y sin ser una cinta hollywoodense está al nivel e incluso supera con creces varios de los intentos tradicionales de este género en Estados Unidos.

Roar Uthaug esperando veredicto mientras se baña en la Ola

NUESTRO VEREDICTO: Muy correcta, emocionante, bien contada, con los momentos justos donde los efectos especiales apoyan solamente una historia concreta y que nada le pide a cualquier película con más presupuesto de Hollywood

YA DISPONIBLE EN NETFLIX

CALIFICACIÓN: 8 DE 10

DIRECTOR ROAR UTHAUG

ACTORES: KRISTOFER JONER, ANE DAHL TORP

GÉNERO: THRILLER/DESASTRE NATURAL

GHOST IN THE SHELL: La vigilante del Futuro

Mamouru Oshii en 1995 durante un periodo bastante sustancial para la exportación del anime japones a todo el mundo, presentó una obra que coloca los cimientos de la ciencia ficción al más alto nivel y que junto con otros exponentes se convertirían en las historias que rondarían en la cabeza de muchos creadores y espectadores de ese tiempo. Nos referimos por supuesto a Ghost In the Shell una cinta animada donde las problemáticas de un mundo futuro se hacen presentes de forma existencial, paradigmática y proponiendo un problema interno en todos aquellos llamados androides. Si bien Blade Runner (1982) ya había sentado la bases cinematográficas de esa sociedad futurista que tenía el look de un Tokio post moderno fusionado con cualquier ciudad enorme, de cualquier sociedad donde la busqueda por un poco de humanidad, inclusive para aquellos seres que no son humanos, es necesaria e incluso perturbadora, en la cinta de Oshii es llevada a la sutileza y sensualidad de la mente femenina. 

La brutalidad Cibernética de Ghost in the Shell

Obviamente aunque tardaron un poco los altos señores de Hollywood ya le habían echado el ojo a esta propuesta para poder generar un remake de la cinta de Oshii pero que también tomara en cuenta el Manga creado por Shirow Masamune en 1989. El resultado es La Vigilante del Futuro (Ghost in the Shell, 2016) que estrena esta semana en todas las pantallas del mundo. 

Una Blanca Nieves sin expresión

La cinta es dirigida por el talachero Rupert Sanders que en sus filas tiene la dirección de Blanca Nieves y el Cazador (Snow White and the Huntsman 2012) una adaptación libre del cuento de Blanca Nieves con una perspectiva tibia y que resulto ser un mediano éxito de taquilla. 

Lo que importa es el interior y Scarlett lo sabe

Sanders decide armarse con toda la parafernalia del estudio y para el protagónico se elige a Scarlett Johansson una actriz que últimamente le ha ido bastante bien en el cine de acción y de super héroes. Por esta decisión la cinta antes de estrenarse cayó en la controversia, ya que Scarlett interpreta a Motoko Kusanagi (que obviamente en la cinta original y en el manga es japonesa como su nombre lo sugiere), los fans de la cinta y del manga estuvieron no muy de acuerdo en ver a su heroína convertida en una chica de Hollywood, pero de inmediato, los ejecutivos lanzaron el primer trailer para taparle la boca a todos, alegando que esta versión de Ghost in the Shell respetaría al máximo su fuente original.

En el mundo futuro la red sera humana

Ghost trata de una joven;  Motoko Kusanagi que fue rescatada desde muy pequeña y convertida en una arma superior para detener enemigos del sistema. Obviamente a Motoko se le hicieron unas mejoras en su cuerpo, convirtiéndola en un robot humano casi perfecto. El conflicto comienza cuando un Hacker que se hace llamar Kuze comienza a atacar los sistemas operativos y  planee crear una nueva red utilizando cerebros humanos. Ahí se desatara una persecución implacable entre Motoko, Kuze y también un reencuentro con su verdadero origen.

La fealdad del mundo de las maquinas

Si bien la cinta de Rupert Sanders es un deleite visual absoluto, los diseños de Jan Roelfs para generar este lugar futurista que mucho debe a Blade Runner, además de todos los efectos físicos y digitales creados por John Dykstra y su enorme equipo que tienen una larga trayectoria en este campo que va desde Star Wars (1977) hasta Godzilla (2014) y que fabrican un verdadero espectáculo visual bastante estilístico y logrado, la cinta de Sanders enmudece cuando se trata de contarnos la historia de forma más profunda y olvidarse un poco de la parafernalia.

Ser cool y verse cool es el lema de Scarlett en Ghost in the shell

El guión creado por Jamie Moss, William Wheeler y Ehren Kruger es débil y tibio al colocar un discurso frío en relación con estos personajes que a simple vista son organismos cibernéticos sin corazón y que por dentro tienen un gran conflicto de personalidad y de incertidumbre. Aquí la cinta falla estrepitosamente ya que se engolosina con el aspecto visual y olvida por completo que también los personajes se van creando de a poco, el guión corre de un lado a otro, como niño con juguete nuevo, desde una secuencia de acción estilizada, hasta un plano abierto de toda la ciudad futurista, para luego darnos un pantallazo del poder de los efectos visuales generados por computadora. Obvio todo esto aderezado con una Scarlett Johansson en un buen momento, echándole muchas ganas a su personaje, aunque se siente que no lo entiende del todo (cada vez que camina esta demasiado tensa para verse natural).

Beat Takeshi haciendo su trabajo

La inclusión de actores como el gran Takeshi Kitano que interpreta a Aramaki el jefe de este grupo elite de guerreros cibernéticos y que es un gran acierto en la cinta, no solo por su interpretación sobria y minimalista (a la que ya nos tiene acostumbrados) sino porque sus momentos son verdaderamente de antología.

Sin embargo al terminar se siente un vacío. Hemos visto una más de estos remakes donde la grandilocuencia de un Hollywood carente de ideas se hace presente, pero que ni con todo el presupuesto del mundo puede borrar la sencillez y profundidad del anime original, ni mucho menos del manga de donde proviene.

Rupert Sanders mientras espera veredicto y pedaleándole la bicicleta a Robert Pattinson

NUESTRO VEREDICTO: Ghost in the Shell es entretenida, visualmente propositiva, pero carece de contenido. Una cinta vacía y espectacular como todas las que Hollywood intenta rehacer a su manera. Sin duda alguna preferimos recordar el anime original y dejar está como una versión descafeinada de este mundo donde los Cyborgs  y los humanos quieren tan solo sentir un poco de lo que significa esta vivo.

CALIFICACIÓN: 6 DE 10

DIRECCIÓN: RUPERT SANDERS

ACTORES: SCARLETT JOHANSSON, TAKESHI KITANO

GÉNERO: SCI FI/ACCIÓN/THRILLER

EL LISTÓN BLANCO

El otro día escuchaba una charla en medio de una muestra de cine (a donde por supuesto asisten los “conocedores” del séptimo arte) que el cine de Michael Haneke no tiene medias tintas o te gusta mucho o lo odias con odio jarocho.

La verdad es que los extremos siempre me han parecido erróneos en todo sentido y hablando de un realizador tan talentoso y diverso como el Sr Haneke es difícil encasillar su obra en un me gusta absoluto o en un lo odio con toda mi alma.

El Vídeo de Benny y sus consecuencias

En sus inicios este director de origen alemán, para ser preciso en su primer cinta para pantalla llamada El séptimo Continente (Der Siebente Kontinent, 1989) ya nos mostraba esos tintes diversos de un autor en pleno sentido, comprometido con una narrativa autentica y por supuesto muy pensada, que lograría hacer que varios voltearan a ver su trabajo. Pero fue hasta 1992 cuando Haneke decidió mostrar su naturaleza real, o lo que a muchos les causa pesar, la crudeza de la Meta realidad. En El Vídeo de Benny (Benny´s Video, 1992) un muchacho de 14 años que ha perdido casi total contacto con la realidad por culpa del vídeo aficionado, logra capturar sus más oscuros secretos incluido el asesinato y poder comunicarse con sus padres a través de la imagen análoga en la televisión. Ahí Haneke nos brinda un espectáculo que si bien aparentemente es grotesco, refleja mucho del vano sentimiento de los nuevos espectadores
gente que usa la plataforma para comunicar lo que sea. Esta cinta impactó a muchas personas en su año de estreno y hasta la fecha es una cinta difícil de conseguir y que le dio el status de director de culto a Haneke para sus posteriores cintas.

El lado oscuro del listón blanco

Así Haneke ha pasado de perturbar audiencias con Funny Games (1997) o La Pianista (The Piano Teacher, 2001) hasta reírse un poco de su obra y crear un remake de su cinta Funny Games (2007) pero en Estados Unidos plano a plano, como una crítica a ese cine realizado en serie como si se tratase de algo sin un valor real, meramente comercial.

La luz de la esperanza en medio de la muerte

En 2009 y antes de que fuera recordado por muchos con la cinta Amor (Amour, 2012) Haneke presento la que quizás sea su obra más madura y mas perturbadora en mucho tiempo y nos referimos por supuesto a EL LISTÓN BLANCO(The White Ribbon, 2009) una historia que nos cuenta varios eventos extraños que están ocurriendo en un pequeño pueblo del norte de Alemania, antes de la primera guerra mundial, que involucran, tortura, intento de asesinato y accidentes que comienzan a poner en shock a este pequeño lugar donde aparentemente nada ocurre.

La inocencia se paga con el miedo

Si bien la idea inicial pareciera la de una cinta de suspenso, Haneke lleva todo más allá de lo evidente y este pequeño pueblo donde no existe un dejo de inocencia es en realidad una antesala a lo que ocurrirá con los horrores del nazismo y quizá nos proponga aquí el origen del mal verdadero. 

Acompañado de una fotografía exquisita en Blanco y Negro de la mano del Cinefotógrafo Christian Berger que a estado del lado de este director desde sus inicios, Haneke nos introduce paso a paso, a entender el origen de la maldad pura, a ver en los ojos de seres inocentes no solamente el lado oscuro del ser humano sino la propia alma negra que hace que los sentimientos y los valores se pierdan.

El odio lleva al dolor

Las actuaciones soberbias de parte de Christian Friedel que interpreta al profesor inocente que es quizá el único que pueda descubrir lo que realmente esta pasando en el lugar,  Burghart KlauBer que hace una composición siniestra del pastor que cree en la fé por encima de la razón y de Ulrich Tukur que interpreta al Barón dueño del lugar. El terrateniente que vivirá en carne propia los vestigios del horror puro.

Todos ellos acompañados del silencio mas siniestro de las atmósferas de Haneke, con un tino y una composición visual que recuerda al mejor Andrei Tarkovsky del Espejo(zerkalo, 1975) o de Stalker(stalker, 1979) ambas dos obras maestras que aquí tienen eco en esta cinta que parece un gran homenaje al maestro ruso.

Sin duda una obra superior en todo sentido, la cinta ganó 57 premios internacionales y fue nominada al Oscar como mejor película extranjera (cabe acotar que debió ganar este premio, pero la academia volvió a hacer de las suyas) y a la mejor fotografía.

El maestro Haneke esperando su veredicto

NUESTRO VEREDICTO: Una obra hermosa y aterradora de uno de los cineastas más diversos del cine alemán que sin duda es un gran eco de lo que debería ser el cine y quizá ya no es. Un espectáculo visual, auditivo, artístico, el gran ojo del mundo.

Para disfrutar en casa a través de NETFLIX YA DISPONIBLE!!

CALIFICACIÓN 10 DE 10

DIRECTOR: MICHAEL HANEKE

ACTORES: CHRISTIAN FRIEDEL, BURGHART KLAUBER

GÉNERO: DRAMA/THRILLER