LA LIGA DE LA JUSTICIA

Como si se tratase de competencia de relevos en cartelera o hay un nuevo éxito de Marvel o bien la empresa DC decide probar suerte con sus personajes que todos los más acérrimos seguidores rezan porque algún día encuentren el camino.

Un battfleck con cachete de mas

En el 2016 Batman Contra Superman la cinta de Zack Snyder había estrenado y un sin número de críticas por supuesto nada positivas ensombrecieron el camino de esta franquicia, algunos desde la elección de Ben Affleck como Batman después de haber vivido el cambio del Caballero oscuro de Nolan, otros por que sentían que era demasiado pronto para un crossover entre estos dos super héroes que aún no terminaban por cuajar en el universo cinematográfico, caso concreto Superman que ha sufrido reinvenciones que nada aportan al de por si poco potencial del mismo personaje.

la mujer culta y maravilla

Aún así la apuesta fuerte de DC vendría en este año 2017 con la Liga de la Justicia, esta idea de juntar a Superman, Batman, La Mujer Maravilla, Flash, Cyborg y Acuaman en una sola película y que de una vez por todas demostraran que no solo Marvel puede sino que ellos tienen personajes que también están vivos en la memoria colectiva y que por supuesto pueden generar grandes ingresos en taquilla.

Un flash queriendo ser un buen patiño

Así Zack Snyder vuelve nuevamente con  un guión de Chris Terrio y Joss”Avengers “Whedon a ponerse detrás de cámara para traernos este espectáculo colorido y artificioso que reune a todos los personajes contra un enemigo malévolo llamado Steppenwolf que es uno de los villanos más poderosos del universo DC y que por supuesto es una consecuencia del también famoso Doomsday el monstruo que mato a superman y que por ende se ha convertido en un icono entre los seguidores de la historieta.

El que compite contra iron man

Aquí en la liga de la justicia la trama es casi nula y por ende lo más importante es primero mostrar el trasero de la mujer maravilla (Gal Gadot), los biceps tatuados de Acuaman (Jason Momoa) y el humor forzado de un Flash (Ezra Miller) que sirve como el comic Relief de la idea. Por supuesto que lo que menos importa acá es el acartonamiento de un Batman (Ben Affleck) que ha luchado por que la gente lo tome en serio en un traje de goma que lo hace ver choncho y que no logra expresar mucha emoción y un Superman (Henry Cavill) “si así es esto es un spoiler” superman no ha muerto y regresa en esta cinta, que es quizá el único que esta en su salsa vistiendo su traje azul o apareciendo sin camisa para deleite de las damas y que emula mucho del carisma que alguna vez tuvo el ya fallecido Christopher Reeve.

El regreso no tan esperado

Después de todo esto el villano malvado por naturaleza 100% digital que desea robar unos cubitos de poder y con ellos conquistar el mundo (esto seguido de una risa malvada) y los personajes secundarios como un avejentado Jeremy Irons que se limita a rematar algún chiste no gracioso de Batffleck, J.K Simmons que esta porque estuvo en las anteriores y nada más y Amy Adams que parece que tiene algún arreglo con los productores de manera que ella siempre llega a salvar el día.  

Momoa y su acuaman heróico

La inclusión del héroe afroamericano, una suerte de Iron Man llamado Cyborg (Ray Fisher) que no aporta nada nuevo, tampoco tiene el suficiente carisma y queda como un efecto especial medio malhecho en la idea, es para rellenar los tremendos huecos de la trama si es que a eso se le puede llamar trama.

Acuaman y flash en carrera a su destino

En Fin efectivamente esta idea es menos terrible que Batman contra Superman porque aquí hay un poquito de carisma en la mujer maravilla, acuaman y flash, pero eso no es gran cosa. Si bien es un mejor intento de llevar a la pantalla a estos superhéroes en la faceta de un equipo poderoso, no puede con la carga del inverosímil en la trama, lo poco afortunado que son los efectos especiales que parecen hechos a la carrera, el abuso de fondos digitales, personajes acartonados, chistes muy pero muy puestos y forzados y sobre todo elementos que no tienen ningún sentido ni aportan nada ni a la historia ni al universo que están fabricando.

Los héroes mirando al futuro de su franquicia

Esta liga de la justicia carece de alma, de sentido, quizá para aquellos super fans sea suficiente ver a sus héroes en pantalla unidos en un plano general queriendo ser épico sin entender el término pero realmente para el público que es un poco más exigente, esta sera una película que pasará con más pena que gloria.

Zack Snyder diciendo a Batman y a Wonder Woman en donde van a estar con 3 secuelas más

EL VEREDICTO: Muy tibia, sin mucho que ofrecer, para los más fans quizá funcione pero para quien busque algo un poquito más entretenido y mejor hecho hay ejemplos mucho más funcionales. Aquí todo se toma tan en serio que llega a ser aburrido, ni que decir del estilo repetitivo del director que todo lo resuelve con leit motiv, cámaras lentas y fondos mal cortados digitales. 

CALIFICACIÓN 5 DE 10

DIRECTOR: ZACK SNYDER

ACTORES: BEN AFFLECK, GAL GADOT, EZRA MILLER, AMY ADAMS

GÉNERO: SUPER HEROES

THOR RAGNAROK

La primer cinta del Dios del Trueno por allá por 2011 dirigida por el pretencioso Kenneth Branagh vaticinaba un fiasco por parte de Marvel siguiendo la linea shakesperiana que pretendía Branagh,  que hacía que los actores con capas y vestidos lucieran ridículos y la seriedad solemne estuviese fuera de lugar.

Thor entrando al mundo del Ragnarok

Después de Alan Taylor con Thor The Dark World (2013) y de las incursiones del personaje en varias cintas de los avengers, cobró un giro interesante convirtiéndose en algo nada serio, cómico e inclusive autoparódico, Marvel entendió el tono de la idea y por ende se esperaba que fuera creciendo poco a poco.

Una batalla sin precedentes

Ahora la explosión retro, el colorido y los chistes estrambóticos han explotado en THOR  RAGNAROK el director Taika Waititi especialista en un timing de comedia muy particular desde su cinta debut Eagle vs Shark donde una pareja de desadaptados sociales se enamoran y buscan venganza vestidos como botargas y la divertida cinta What We do in the shadows, donde un grupo de vampiros nos cuenta sus aventuras y su vida cotidiana.  Waititi como director vino de realizar cintas con muy poco presupuesto, y que debido al tono y al colorido del guión de Eric Pearson, Craig Kyle y Christopher Yost  para Thor Ragnarok, era el director perfecto para llevar esta aventura a la vida.

Cate Blanchet divertidamente malvada

La historia es simple, Thor(Chris Hemsworth) regresa a Asgard para enterarse del exilio de su padre el Dios Odin(Anthony Hopkins) y saber que su hermana Hela (Cate Blanchet) la Diosa de la muerte esta llegando a la ciudad para desatar el Ragnarok: el día del juicio final y por fin tomar el trono y destruir este universo. En el camino Thor encontrara a HULK (Mark Ruffalo) y a  Valkyrie(Tessa Thompson) una guerrera ancestral para ayudarlo a combatir a su hermana.

El Hulk ahora con más parecido al actor Mark Ruffalo

La cinta se mueve de un lugar a otro entre gags bien planteados, actores que no se toman en serio sus personajes, todo el tiempo parecen estar jugando y disfrutando su interpretación, efectos especiales, el mundo digital llevado al máximo, al extremo y casi al exceso, música de Led Zeppelin que ilustra el momento heroico y épico de los personajes caricaturizados pero sin ser ridiculos. La Fotografía que mezcla esa estética retro con la fantasía de un mundo completamente imaginario de parte del español Javier Aguirresarobe que juega con esa idea fársica y artificiosa del superhéroe colorido y simplón con gran alegría.

Los hermanos poderosos

Cate Blanchet se mueve muy bien como villana de la cinta, secundarios como Idris Elba con su rostro de guerrero ancestral dando espadazos al ejercito del mal, Jeff Goldblum en una reinvención de si mismo, interpretandose a si mismo y Tom Hiddleston como Loki que aquí es como un cómic relief asentando al personaje con más chiste que carisma. 

Un enfrentamiento con la muerte

El universo de Marvel ha encontrado una veta interesante mezclando lo digital con la personalidad de cada actor que interpreta a sus personajes, tomándose menos en serio las cosas que proponen, disfrutando los universos sin mucha pretensión basándose en que el mismo ensamble de actores camine en relación con el ritmo y más allá de brindarnos una obra maestra; divertirnos, entretenernos, seguir haciendo más y más películas que generan buena onda en la taquilla y que como cualquier espectáculo dirigido al entretenimiento funcione y sin duda RAGNAROK es eso un espectáculo muy entretenido.

Taika Waititi explicándole al Dios del trueno de donde caerán
los millones del box office mientras espera veredicto

EL VEREDICTO: Divertida, Waititi en su salsa, haciendo comedia simplona y manejando el gran presupuesto de una cinta de Marvel. Sin pretensiones y para pasar un excelente rato.

CALIFICACIÓN:8 DE 10

DIRECTORES: TAIKA WAITITI

VOCES: CHRIS HEMSWORTH, CATE BLANCHET, MARK RUFFALO

GÉNERO: AVENTURA, ACCIÓN

COCO

La empresa afiliada a Disney que cada año sorprende con la calidad de su animación y de sus guiones, había comenzado a decaer un poco cayendo en la secuelitis de muchas empresas, refriteando sus mismas historias, haciendo secuelas de cintas exitosas y que no fueron de la calidad a la que siempre nos tienen acostumbrados(Cars 2 y 3, Buscando a Dory).

El mundo de los muertos y los familiares

Desde años atrás se habló de la posibilidad de realizar una película animada en relación al día de los muertos, esa tradición mexicana que ha sido utilizada hasta el cansancio con un cliché tras otro en películas de gran presupuesto. Haciendo ver al mundo que en México casi diario celebramos con calaveras, velas y gente vestida de catrina sin siquiera investigar un poco sobre esta tradición cultural en lo más mínimo.

Cantar por un sueño

Este 2017 Pixar regresa con COCO una cinta basada en la historia de Lee Unkrich y Adrián Molina ambos colaboradores de la empresa en cintas como Toy Story y Monsters Inc. Aludiendo a todas las tradiciones mexicanas sobre el día de los muertos COCO es un verdadero placer visual, empezando por los extraordinarios decorados digitales creados para la película llenos de colores, sabores y mucho papel picado. 

El Cempazuchil como catalizador mágico

Las flores de Cempazuchil que iluminan y adecuan el camino de los muertos y por supuesto la historia que usa estas tradiciones no solo para generar una empatía con los personajes, sino que busca componerlos a través de pequeños detalles, deseos cautivantes y el mensaje principal de que la familia lo es todo.

La chancla de la abuela, un miedo ancestral

COCO es la historia de Miguel un pequeño muchacho que desea cantar y componer música como su ídolo Ernesto de la Cruz pero su familia no está muy de acuerdo con esa decisión. Miguel tratando de ir en contra de todo decide robar la guitarra de la tumba de de la Cruz, para poder concursar en el kiosco del pueblo en un festival de busca talentos. 

Ernesto de la Cruz, cualquier parecido con jorge o Pedro es mera coincidencia

Sin embargo las cosas no van a salir del todo bien cuando Miguel mágicamente entre en el mundo de los Muertos que curiosamente convive a la par de nuestro mundo en la celebración del Día de los muertos.

La abuela COCO es la abuelita de todos

Así COCO se mueve extraordinariamente con personajes bien definidos, cosas maravillosas como la inclusión de los Alebrijes, ese animal raro tradicional mexicano que se convierte en la guía espiritual de sus amigos o dueños cuando estos mueren. Frida Khalo, Cantinflas, El santo, Dante el perro Xoloitzcuintle  y muchos mas deambulan en este lugar, lleno de color y de adoración a nuestras tradiciones.

Dante y Miguel en la aventura

Los guionistas trabajaron arduamente, leyeron, buscaron, investigaron propiamente con respeto y mucha curiosidad los pormenores, recobecos y lugares insólitos del Mictlán, de ese mundo de los fallecidos que nos vienen a visitar el 2 de noviembre. De los altares, de la familia mexicana llena de tradiciones y de magia y aunque mucha gente veía con recelo la idea de llevarlo a la pantalla de la mano de una de las empresas americanas más grandes, esto sin duda es un enorme éxito.

La música no es tu destino

Pixar sabe hace una cinta inteligente, divertida, muy pero muy enternecedora y por mucho nos da una mirada sobria, legitima y demasiado espectacular de lo que significa un mundo creado por nuestros ancestros, un mundo que todas las familias de Latinoamérica, específicamente de México deben compartir con el mundo. Aquí se siente la magia de una cinta honesta, sin pretensiones y muy pero muy curiosa donde todo aquello que siempre pensamos que ocurría del otro lado esta en la pantalla para entretenimiento de los más pequeños y de los más grandes. Una historia universal para todos sin barreras de idioma y con mucho corazón. 

La música que acompaña que va desde el intro del logotipo de Disney con mariachi, hasta la sandunga, pasando por el son jarocho y hasta banda. El score interpretado como siempre con gran precisión por Michel Giacchino juega con esos acordes misteriosos y coloridos haciendo una fusión espectacular de géneros.

Las voces de Gael García Bernal, Chabelo, Trino, Elena Poniatowska, Alfonso Arau, Victor Trujillo, Hector Bonilla, Cesar Costa, Alex Lora, Jaime López entre muchísimos otros dotan a cada personaje de una riqueza latina inmediata y sin exageraciones componen un gran ensamble de talento que logra fusionarse con el universo de la cinta.

Dante el comic relief muy pero muy divertido

EL VEREDICTO: Extraordinaria, sin duda una de las mejores propuestas de Pixar de los últimos tiempos, Divertida y advertimos llevar pañuelos ya que la lágrima saldrá hasta en aquellos ojos no acostumbrados a llorar en el cine.

Adrián Molina señalado como primerizo por Lee Unkrich esperando veredicto

ADVERTIMOS: el cortometraje antes de la cinta es un despropósito sin sentido de la casa disney. Se trata de una aventura de OLAF el muñeco de nieve de FROZEN, aburrido ñoño y largo. Tiene uno que vivir esta tortura que parece interminable pero al final vale la pena porque después cuando comienza COCO todo el mal sabor de olvida. O bien si es usted inteligente y en su casa no hay fans de FROZEN llegue 20 min tarde a la película, creame que me lo va a agradecer.

CALIFICACIÓN:10 DE 10

DIRECTORES: LEE UNKRICH Y ADRIÁN MOLINA

VOCES: GAEL GARCÍA BERNAL, EDWARD JAMES OLMOS

GÉNERO: ANIMACIÓN

BLADE RUNNER 2049

En 1982 se estrenaba en los cines la cinta Blade Runner basada en una novela de Philliph K Dick con el aquel entonces jóven Harrison Ford a la cabeza del reparto y con el reto de llevar a la pantalla un espectáculo futurista y humano sin precedentes. Ridley Scott que venía de un gran éxito como lo fué Alien el octavo pasajero logró lo que a muchos les parecía algo prácticamente imposible, lograr ese equilibrio entre un producto comercial y una cinta por demás filosófica acerca de la verdadera esencia del ser humano y sus consecuencias, cuando esa humanidad se replica en seres casi robóticos y perfectos. El resultado conjuntando la música de Vangelis y la extraordinaria fotografía de Jordan Cronenweth, los diseños de Lawrence Paul de ese mundo tecnológicamente depresivo y alucinante, ha sido una de las mejores cintas de Ciencia Ficción de todos los tiempos.

El regreso al mundo del neon apocalíptico

Cuando se habló de realizar una secuela el director Denis Villeneuve que ya había colocado su aportación muy decorosa e interesante al género como la cinta La llegada (arrival 2016), fue tentado con un guión que continuara con la historia de ese mundo futurista y nos hablara sobre el destino de los Replicantes y el detective Rick Deckard que en la primera entrega no solo termina por deshumanizarse sino que se enamora de una replicante.  Hacer una secuela de Blade Runner era algo particularmente difícil tomando en cuenta que jamás pidió una secuela y mucho menos un aborrecible remake. Pero Hampton Fancher el guionista de la original tenía algo más en mente, no solo el guión se trataba de una secuela, sino que sería una cinta que pudiera sostenerse por si misma sin acudir más que como soporte a la original. 

El futuro es incierto y azul

El resultado es Blade Runner 2049 una cinta que nos cuenta la historia de el detective K (Ryan Gosling) un replicante al servicio de la ley que se dedica a cazar despiadadamente a otros replicantes de modelos pasados. Es un Humanoide al servicio del creador Niander Wallace interpretado por un cómodo Jaret Letto, que obedece la orden y no tiene sentimiento alguno al respecto. En la búsqueda y masacre de estos replicantes viejos K se va a encontrar con pistas que lo involucran de una manera muy extraña con el caso del detective Deckard y su relación con Rachael la replicante de la cual se enamora y al parecer su unión dio como resultado un hijo, mitad humano y mitad replicante. 

el holograma como sustituto del sentimiento humano

La cinta deslumbra con su primer plano, un iris ocular inmenso, el ojo del humano, no humano que tiene más humanidad que los que han nacido orgánicamente. El escenario es un caos, es ese futuro donde la tecnología es tan avanzada que suple la soledad, la rutina con hologramas y placeres mundanos inexistentes fisicamente. Es un mundo socialmente inestable, vacuo y con diferencias entre los replicantes y los humanos reales.

La maravillosa fotografía de Roger Deakins haciendo no solo un gran homenaje a Cronenweth sino consiguiendo un alucinante viaje de colores, reflejos, neones, contraluces, sombras, capturando momentos formalmente estéticos, con una composición abismal, estructurada de colores y texturas que pocas veces puede uno experimentar en una sala de cine.

Deckard en su mejor momento

Los personajes, Harrison Ford maravilloso, sorpresivamente un papel que está en su filmografía y que con el tiempo ha sabido madurar, esperar el momento, aunque ahora su personaje no es principal, es el centro de la historia y logra unos matices inmensos en el poco tiempo que tiene en pantalla.

El amor virtual sin tocarse

 El personaje de Gosling, que aparentemente tiene tonos similares a los personajes de sus anteriores cintas, callados, casi robóticos, acá funciona de maravilla al tratarse de este ser que sabe que no es humano, pero que tiene más sensibilidad a lo que ocurre que la humanidad misma.

K destruye todo a su paso

La dirección de Villeneuve es muy puntual, a algunos les pudiera parecer cansina, pero en realidad focaliza fervientemente en los lugares, en los personajes, en lo que sienten, en su monotonía, en esos lugares devastados y logra empatizarnos poco a poco con todo lo que ocurre, el ritmo crece pero sin desmerecer su esencia espiritual, filosófica, Blade Runner nunca fue un filme de acción o de aventura en su totalidad,  con un discurso sobre esos valores perdidos, sobre el mundo en decadencia, y nada alejados de lo que vivimos hoy en día. El cine de ciencia ficción siempre ha sido el vehículo conductor de estas criticas, de esta sensación de que el mundo en el que vivimos es un caos latente y que el futuro esta mucho más cerca de lo que creemos.

La villana es mala muy mala y muy ruda también

Sin duda, los actos del guión van cerrando ciclos, respondiendo dudas, abriendo nuevas posibilidades. Estamos quizá ante una de las mejores películas del año, con todos esos elementos que nos hacen sentir que no todo esta perdido. Que quizá haya lugar para todos los superhéroes de la pantalla si al menos una o dos veces al año, los estudios contratan directores visionarios como Villeneuve para poder ofrecer eso que el cine debe ser, ese lugar donde los sueños se vuelven realidad y donde aún es posible sorprender visualmente al espectador desde varios ángulos. Blade Runner es un gran regreso a aquellos días en que lo más importante era la historia y los personajes, en donde los efectos especiales acompañan al producto y lo realzan, en donde aquello imposible o inimaginable se vuelve posible. Y lo mas sobresaliente, con un discurso honesto sin pretensiones.

La acción aunque es poca es extraordinaria

Villeneuve en México esperando veredicto y una quesadilla

EL VEREDICTO

Una secuela que se sostiene sola, que es un gran homenaje a la original pero no depende de ella para ser hermosamente emocionante. El mejor regalo de esta temporada sin duda.

CALIFICACIÓN 10 DE 10

DIRECTOR: DENIS VILLENEUVE

ACTORES: RYAN GOSLING, HARRISON FORD

GÉNERO: CIENCIA FICCIÓN

¡MADRE!

El cine de autor que ha marcado generaciones y que poco a poco ha sido diluido en salas por producciones estridentes y vastas de presupuesto, es aquel mal llamado cine de arte (ya que todo el cine es arte) y que ha colocado a cineastas internacionales en el ojo del huracán levantando polémica y ámpulas en donde se presenta.

Darren Aronofsky que en su carrera ha conocido ambos lados de la moneda, el cine puramente independiente y el cine altamente comercial con grandes estudios como Twentieth century fox de por medio, regresa al terreno del autor, al terreno del creador activo, donde hay la necesidad de construir un discurso poderoso, único en su clase y encima ha logrado que Paramount apueste por este proyecto arriesgado y personal que por supuesto no tiene intenciones de convertirse en una maquina de hacer dinero.

La casa al final de la calle

¡Madre! es el título de la nueva cinta de este director, protagonizada por Jenifer Lawrence y Javier Bardem como la pareja que vive aislada, un un mundo para dos, que súbitamente ve su perfecto universo colapsarse con la llegada de dos extraños interpretados por Ed Harris y Michelle Pfeiffer que se meten en su casa, en sus vidas cambiándolo todo. Hasta aquí la premisa parece sencilla y singular, intrusos en casa que no son lo que parecen, la pareja perfecta que esconde un secreto, un thriller convencional. 

Una pareja muy normal

Sin embargo Aronofsky demuestra que eso que para muchos puede parece simple en las manos de un director que ha estado en la gloria y en el infierno de su carrera, que ha visto como el mundo se destruye de apoco ante su mirada y preocupado por todo lo que la humanidad ha hecho a través de los tiempos, se convierte en una obsesión que va más allá de  lo que vemos a simple vista.

Michelle Pfeiffer madura y oscuramente malvada

Aquí el director ha construido una alegoría de la madre tierra, de la mirada del creador de todo, del origen falso de los seres humanos con el mito de Adan y Eva, con la autodestrucción del núcleo familiar, de los lazos que nos unen con un Cain y un Abel postmodernos, de la permisividad de hacer nuestro,  todo lo que esta a nuestro alcance, de volverlo hermoso o de destruirlo a nuestro antojo. 

Lo que se oculta debajo

La mirada poderosa de un ser omnipresente que crea, que fabrica y que tiene el poder de consumir hasta lo más profundo del concepto de la humanidad, gracias a su infinita bondad y sencillez. Que abre las puertas de su casa sin esperar nada a cambio, de ese reino puro que representa la utopía fastuosa de un lugar donde la musa de la inspiración, donde la madre tierra, donde esa representación de algo puro puede ser atrofiado, vejado, destruido, consumido hasta las cenizas y alterado por esos tantos y tantos personajes humanos que deciden apropiarse de algo que no les pertenece, de juzgar algo que no les corresponde y de sentirse los únicos dueños de ese lugar que antes era un paraíso y que gracias al odio, al racismo, a la violencia, al feminicidio, a las violaciones, a todo lo podrido que tiene el humano se ha convertido en un campo de batalla, en un infierno, en un apocalipsis donde nadie escapa, donde todos somos como zombies sin personalidad siguiendo algo que es falso y que lo demuestra a cada paso pero que aun así creemos en el.

Bardem haciendo lo que mejor sabe hacer, actuar

La construcción de la narrativa de ¡Madre! es claustrofóbica, el encuadre encima de los personajes, nos sofoca, el movimiento de una cámara que sigue sin cesar a todos lados que no deja de ver, de registrar, que se vuelve molesta, incomoda, la banda sonora sin música, con solo incidentales, diálogos fuertes, nada artificioso que nos distraiga, silencio, mucho silencio, y la rispidez del 16mm con ese grano explotado que es perturbador y molesto en partes, pero que también nos da cierta nostalgia ya que es algo que ya no vemos y ya no percibimos en la era digital. Los actores componen un escenario categórico, casi imperceptible en su dramatismo tremendista, con un gesto, un movimiento nos dicen muchas cosas. 

El Apocalipsis se avecina

Los últimos 30 minutos del filme son violentos, apocalípticos, poderosos, nos tienen agarrados del asiento, nos colocan en una posición incomoda, hacen lo que alguna vez Pasolini hizo en el cine enfrentar al espectador ante sus miedos mas profundos. Verse reflejado como una masa amorfa, oscura, absurda y devastadora. La Fotografía de Matthew Libatique es sucia, apabullante, construye una atmósfera enrarecida, ayuda y violenta a sus protagonistas. Aparenta ser demasiado naturalista pero realmente es artificiosa por si misma.

No dejes entrar seres extraños

Javier Bardem es el poeta, es EL, creador, dador de vida, llámese Dios, llámese Autor, llamese aquel sin nombre que es dueño de todo, y lo hace de una manera desquiciada, absolutista, con una de sus mejores composiciones actores. Jennifer Lawrence es la madre, la tierra, la virgen, la pura, la diosa de la inspiración, la esperanza, que genera el caos, que a veces es olvidada, que representa ese receptáculo inmaculado de aquello que genera vida, que oculta y carga con los pecados de todos, es la concepción del verdadero interés del artista, eso que lo hace distinto a todo y ella lo interpreta de una manera sutil, arriesgada y sin duda consigue con ello una poderosa interpretación digna de verse.

La paz antes del caos

Aronofsky ha vuelto con grandes cosas que decir, esto es lo que hace un autor, por supuesto la respuesta ha sido el repudio de muchos y la adoración de otros, pero eso es precisamente lo que vuelve grande una obra. Que a nadie deja indiferente y te permite hablar de ella por días con las varias lecturas que pueden hacerse.

Aronofsky esperando veredicto

EL VEREDICTO: Una cinta no para todo el mundo, un discurso fuerte y centrado sobre el mundo en que vivimos, es una cinta de terror pero desde otra perspectiva, aunque no se instale puramente en ese género. También puede ser una visión de lo que verdaderamente somos. O quizá entre otras lecturas lo que ocurre con una creación cualquiera que sea, el caos y el perdón del creador y la obra rebelde que toma vida propia y que se auto destruye en un momento solo para regresar al origen y volver a empezar.

Una experiencia, un viaje espectacular, sin duda alguna algo que se debe ver en el cine.

CALIFICACIÓN: 9 DE 10

DIRECTOR: DARREN ARONOFSKY

ACTORES: JAVIER BARDEM Y JENIFFER LAWRENCE

GÉNERO: THRILLER, HORROR, DRAMA