sábado, 21 de diciembre de 2019

STAR WARS: EL ASCENSO DE SKYWALKER


Separar el hecho de ser un fan acérrimo de esta saga y el tener un punto de vista objetivo es bastante complicado sobre todo tratándose de un producto como este que pretende muchas cosas y que ha sido toqueteado por todo el mundo con la finalidad de ser algo que no solo entregue dividendos a las altas esferas de Disney sino que también logre unificar a la legión de fans que han quedado insatisfechos con todo lo que ha ocurrido desde el último episodio de la trilogía original llamado El regreso del jedi.

La nueva trilogía que comenzaba con El despertar de la fuerza trajo esperanza a los fans que habían sido traicionados según sus propias palabra con el Episodio 1, 2 y 3 de las precuelas, que nos entrego su creador George Lucas y que trajeron división entre los fanáticos que no aceptaron la revolución tecnológica que implicaron estas cintas y que retiraron por completo a Lucas de su propia creación incluso vendiéndola a una empresa como Disney que estaba dispuesta a explotarla al máximo.

Sin embargo dicha primera entrega fue tibia en su recepción y aunque a varios les gusto no pudo con el peso del pasado.

Y así la molestia siguió con el estreno de la cinta Los últimos Jedi que lograron dividir de una vez por todas a los fanáticos que incluso llegaron a cruzar la linea de la ficción y comenzaron con sus ataques cada vez mas terribles a todos los involucrados.

Sin embargo y aunque los fans estén seguros que la saga les pertenece la realidad es otra. El episodio 4 o simplemente Star Wars una nueva esperanza ha sido un ejemplo de lo que un cineasta visionario logró estando en el tiempo correcto, en el momento adecuado, con una generación de niños y adolescentes que se sorprendieron con lo que vieron en la pantalla en 1977 y desde ahí ya nada seria igual. Ahora esos niños y adolescentes que siguieron fieles al producto que se extendió cada vez mas, con series, novelas, comics, videojuegos, etc, se han perdido en ese abismal universo y han hecho de él, miles de proyecciones, teorías, ideas que difícilmente cualquier cinta que no sean las 3 originales lo pueden cumplir.

El Ascenso de Skywalker es por un lado una película hecha a gusto de los productores mas que una cinta que refleje el punto de vista de un director bastante talentoso como lo es J.J Abrahams, se nota el trabajo de no reflexión sobre esta historia y su necesidad de borrar y cambiar todo aquello que ha hecho que esos fans se alejen. El darle gusto a la horda de seguidores se volvió el principal objetivo de esta cinta y de pelearse definitivamente con lo ocurrido y propuesto por Rian Johnson, Lucas y por el mismo Abrahams en las cintas anteriores. Dotar de energía y vitalidad a una saga que de pronto luce diferente, diversa e incluir cosas que para aquellos que no aceptan los cambios son inadmisibles como el hecho de tener una mujer protagonista, un hombre de color como un stormtrooper, un villano ambivalente, indeciso, complejo y humano, que los héroes como Luke Skywalker, Han Solo, Leia Organa, R2D2, C3p0 están viejos y han dejado de lado su fuerza para pasársela a los nuevos protagonistas, que la tecnología ha avanzado a pasos agigantados y que cada vez mas lo orgánico que pudo ser la primera trilogía se ha perdido por completo para dar paso a algo moderno y diferente.


Pero algo que sigue vigente es la aventura, la emoción, los momentos épicos, la fuerza, los sables láser, las naves y los guiños a la nostalgia del pasado. ¿Qué ocurre entonces? ¿porque no se logra que todos los fans estén felices? La respuesta es simple: nada va a compararse con lo ocurrido en 1977, el espectador ya no es tan inocente y por mucho la tecnología ha logrado que cada vez mas esos fans que eran niños o jóvenes en el pasado sean ahora adultos y sigan aferrados absolutamente a una idea idealizada de una película que les cambio la vida y pretendan que después de casi 42 años todo se mantenga exactamente igual.


Sin embargo con esta última entrega se ponen de manifiesto dos cosas importantes. Una por un lado Disney tiene un objetivo y es el de que su franquicia mas redituable después de cualquiera de super héroes siga viva y siga dándoles dinero a raudales y segundo es que si le importa mucho a esta compañía complacer a todo el mundo y hacer que su producto no sea tan divisivo y arriesgado como lo ocurrido con The Last Jedi que hizo que muchas personas se volvieran agentes de odio en contra de todo lo que representa Star Wars.


En El ascenso de Skywalker la historia se dedica a corregir de una manera directa(por decirlo de alguna manera) el rumbo que había tomado la franquicia con Johnson, a generar una a una las secuencias necesarias para que el público comience a notar la diferencia y a aplaudir en la sala cada vez que las cosas salen precisamente como ellos desean. Abrahams en la primera parte de la cinta pega uno tras otro los pedazos de la idea original y va construyendo un Frankenstein al cual se le notan las costuras por todos lados pero que obedece al disfrute ultimo de algo enteramente realizado para un público enorme.

En el segundo acto los actores que se sentían desdibujados en las dos entregas anteriores aquí cobran una importancia y una calidez extraordinaria. Poe Dameron (Oscar Isaac) se vuelve casi tan carismático como Han Solo, Finn(John Boyega) regresa a la idea de ser el proyector de Rey(Daisy Ridley) y a coquetear con convertirse en un verdadero héroe. El genial C3PO(Anthony Daniels) uno de los pocos vestigios de las anteriores entregas vuelve a su elemento y a ser más que el Cómic Relief la verdadera nostalgia por el pasado. Ni hablar de Leia(Carrie Fisher) que vuelve nuevamente a la vida gracias a la tecnología y a las escenas cortadas de The Force Awakens y se logra fusionar en cuerpo y alma en esta idea de ser la clave para el triunfo o fracaso de la resistencia.


Kylo Ren o Ben Solo(Adam Driver) demuestra que puede componer un excelente villano lleno de matices y vueltas de tuerca, además de  dotarlo de un gran dramatismo y por supuesto Rey que es y sera uno de los logros mas valiosos de esta nueva trilogía, construyendo una heroina fuerte, decidida y con muchos poderes que sorprenderán a mas de uno, ni hablar de que su actuación esta a la altura de las circunstancias.

El tercer acto es muy emocionante, llega el enfrentamiento, las respuestas y resoluciones y por supuesto vuelve la nostalgia. Esta construido de manera absurda pero funcional y con varios ecos directos a lo que ya anteriormente se había establecido. Aquí hay naves, peleas, explosiones, caballos, la fuerza, el lado oscuro, sables de luz, media siths y demás conceptos que deambulan como buffet en la pantalla haciendo las delicias de los fanáticos que son el principal objetivo de Disney.

Si bien este último episodio adolece de originalidad, de exploración, de dimensión narrativa, desborda carisma, emoción y mucha nostalgia e intenta ser en todo momento memorable. No se le puede crucificar como han hecho varios críticos solamente por los defectos y baches argumentales que los tiene y en gran medida, ni tampoco por ser demasiado entretenida, ya que se trata de una cinta de pura diversión mismo caso del primer episodio de 1977. En  A New Hope había los mismo errores, el mismo absurdo que genera una linea argumental un poco forzada y detalles sobre todo en la actuación de los personajes que fue notada por los críticos cuando salió a la luz y fue duramente criticada, pero los fans, el público poco le importo eso y siguió llenando las salas de ese tiempo aun y cuando la cinta no fuese del todo aplaudida por los que conocen de cine. Después de muchos años claro que se volvió un clásico, claro que mucha gente la recuerda con cariño y claro que quedo en la memoria de muchos y todo fue reforzado por el marketing, por la venta de cualquier cantidad de productos alusivos a la película que todos aquellos que vivimos por esa época coleccionamos y aún tenemos en nuestras casas.


Así que en conclusión, ¿el final de esta saga pudo ser mejor? si efectivamente, ¿Era necesaria esta última trilogía? pues no, pero tampoco eran necesarias las precuelas, las series, los productos animados, novelas, comics y cualquier otra cosa que no fuese la trilogía original. ¿Vale la pena verla en el cine? definitivamente si, es un cierre adecuado a todo lo que ya vimos antes, no es perfecto, ni siquiera creo que pueda postularse entre lo mejor del año, por supuesto que no esta hecha para los críticos especializados, esta hecha para el público en general que desea divertirse a raudales y para aquellos fans tóxicos o no que quieren seguir viendo estas historias en la gran pantalla.


¿Disney arruino la franquicia?, la respuesta es no, la franquicia originalmente estuvo completa hace años y para bien o para mal, a muchos tampoco les gusto o criticaban el cierre con El regreso del Jedi porque no les dió exactamente lo que esperaban. Lo que Disney si ha hecho es capitalizar y buscar la manera de no perder a los fans y a los nuevos espectadores ofreciéndoles un producto a la altura de sus necesidades.

¿Es mejor película que The Last Jedi? se mueven en universos y finalidades diferentes. Los últimos Jedi  la más divisoria de toda la saga si es una cinta hecha para sorprender, para crear un producto totalmente nuevo, con personajes conflictuados y pegando justo donde quizá no debió pegar, en el corazón de esos fans que siguen alabando como una biblia la trilogía original y diciéndoles que eso es viejo y no existe esa idealización, los personajes también dudan de todo, no son dioses del olimpo y todo puede cambiar. Y en el caso de The Rise of Skywalker es todo lo contrario, aquí todo esta en su lugar, todo funciona de una manera artificiosa, sin riesgo y sin tocar las partes del famoso Canon que se supone que no deben tocarse. Los personajes vuelven a ser idealizados, el respeto hacia la orden Jedi esta vigente y el villano conflictuado, deja su lugar para dar paso a alguien de pasado que regresa para de una vez por todas cumplir su venganza y por supuesto darle a los fans ese motivo para seguir ahí, emocionados por lo que pueda ocurrir.

Opiniones muchas, diversas, fans enojados, otros contentos, críticos despiadados, pero el verdadero motivo de existir de esta saga es por un lado la nostalgia del pasado(a todos nos gustaría volver a ser niños o adolescentes y añoramos esos tiempos) y por otro ese paso de generación en generación, esos padres que van con sus hijos, esos abuelos que llevan a sus nietos y esa idea de que todo queda en familia y por supuesto esos fans que se visten, disfrazan y viven al máximo el sentirse parte de esa galaxia lejana muy lejana que hoy ha terminado su ciclo  esperando volver en un futuro no muy lejano para seguir dando mucho de que hablar.

Nadie se va para siempre y que viva STAR WARS!


EL VEREDICTO: Emocionante, nostálgica, muy rápida y sencilla en su construcción. Un final hecho para los fans, hecho para agradar y retomando el punto máximo que fue uno de los iniciadores de esta saga: la diversión en todo sentido. Si buscan una cinta profunda, autoral, arriesgada, diferente, impredecible, con un guión genial y merecedora de varios premios en Cannes esta no es ni de cerca su mejor opción.


DIRECTOR: J.J ABRAHAMS
ACTORES: OSCAR ISAAC, DAISY RIDLEY, ADAM DRIVER
GÉNERO: AVENTURAS SCI FI

miércoles, 13 de noviembre de 2019

THE MANDALORIAN episodio 1



Antes de iniciar con este comentario he de decir que nunca me ha gustado hablar de algo incompleto, que en este caso se trata de una serie de 6 episodios donde solamente hemos podido ver el primero o piloto de la idea completa, pero debido a que me han preguntado bastante aquí esta la opinión.

The mandalorian es la primera serie live action del universo Star Wars y esta creada por Jon Favreau y Dave Filoni ambos colaboradores cercanos de Marvel y de series animadas de Star Wars como la fabulosa Clone Wars respectivamente. Aquí en este nuevo universo The Mandalorian es un Caza recompensas interpretado de una manera muy particular y complicada por el chileno Pedro Pascal y digo esto porque traer un casco y un uniforme que no deja que te muevas adecuadamente no es fácil, (sino pregúntenselo a Michael Keaton cuando interpretó el primer Batman), que es enviado a una misión encargada por El Cliente(así aparece en los créditos) interpretado por el mismísimo Werner Herzog que ya de por si, es una sorpresa verlo en este mundo, ya que es uno de esos directores rebeldes que no se han dejado intimidar por Hollywood(aunque sabemos que le encanta estar ahi) creador de obras mayores como Fitzcarraldo(1982) o la enorme Aguirre la ira de Dios(1972), dicho Cliente envía a nuestro héroe a atrapar una creatura de 50 años de edad, según le cuenta y que de alguna manera es muy importante para el. Recordemos que esta serie se ubica algunos años después de El Regreso del Jedi por ende el Imperio ha caído y los cazarrecompensas que eran fieles seguidores de Vader y del Emperador se quedaron sin trabajo después de su muerte. Así que este Mandaloriano se embarcará en esta búsqueda.

Definitivamente el diseño de producción, los efectos especiales algunos extremadamente bien logrados, los maquillajes, los momentos de acción (incluido aquel donde el droide cazarrecompensas IG-11 hermano del famoso IG-88 cuya voz corre a cargo de Taika Waititi, se enfrenta hombro a hombro junto a el Mandaloriano contra los cuidadores del lugar, donde esta este preciado espécimen de 50 años que buscan) son de antología.

LO BUENO: Es un regreso a ese Star Wars que más se parece a un Western de Leone que a una cinta de Ciencia Ficción. Muchos personajes, referencias directas a las películas originales, lugares conocidos por todos los fans y muchos momentos memorables que nos traen de vuelta  a toda la saga original incluidos aquellos personajes que siempre fueron fondos funcionales, que cobran vida y reflejan la enorme nostalgia de volver a este tipo de mundo donde todo es posible. Pedro Pascal que aunque el traje no se le ve muy cómodo, sobre todo el casco que no se quita en todo el episodio logra dotar a este héroe de personalidad y momentos bastante hilarantes.

LO MALO(aunque es bueno): Se trata de una serie de Tv y por mucho jamás tendrá la profundidad, el desarrollo y el trabajo que hay detrás de un filme de Star Wars, Dave Filoni conoce muy bien el mecanismo de una serie de carácter animado y por ende se siente exactamente el mismo ritmo, escenas que se conectan por la idea de la aventura solamente y no por que exista un hilo argumental muy fuerte, el camino del héroe que esta lleno de momentos que están pensados exclusivamente para los fans acérrimos que no han dejado que los nuevos personajes les gusten y que odian todo lo que ha hecho Disney por la franquicia, aquí están todos esos momentos perdidos en las nuevas entregas y se dedica a caminar por algo seguro, entendiendo perfectamente que cada eco que exista a la trilogía original sera un punto a favor de la serie.
La historia por ahora muestra algo endeble, no hay profundidad ni desarrollo de personajes, pero eso es adelantarme demasiado quizá, ya que aun faltan varios minutos por recorrer en los capítulos siguientes.

EL VEREDICTO: Muy buen inicio, se agradece que se tomen la molestia de darle gusto a los fans, aunque insisto aquellos que dicen que es mejor que las películas y que esta mucho mejor hecho, creo que nada tiene que ver una cosa con otra, los formatos son diferentes y esto es más una traducción live action de Clone Wars o cualquier serie animada de Star Wars que una película donde hay una búsqueda mucho más profunda.

Sí eres fan de Star Wars y odiaste las precuelas y las nuevas películas, aquí encontrarás un lugar muy cómodo para sentirte bien y disfrutar de Star Wars sin peros. Si eres de los que sí aceptaron lo nuevo y te gusta todo Star Wars esta es una adición fabulosa y un aperitivo para esperar con singular emoción la nueva película que estrena el 20 de diciembre.

En ambos casos a disfrutar que es STAR WARS

THE MANDALORIAN episodio 1
DIRECTOR: DAVE FILONI
ACTORES: PEDRO PASCAL, NICK NOLTE, TAIKA WAITITI
GENERO: CIENCIA FICCIÓN/AVENTURAS



sábado, 5 de octubre de 2019

JOKER: GUASÓN


Si pudiéramos mencionar una lista de actores en Hollywood que no solo son tachados de tener comportamientos extraños o de evitar hablar mucho con la prensa, sobre su vida privada o sobre su carrera, seguramente nos encontraríamos con que Joaquín Phoenix, estaría encabezando dicha lista y encontraríamos también que su nombre aparece poco en las propuestas de reparto de los productores más exitosos en este momento en la Meca del cine.

Joaquín Phoenix es un actor que ha demostrado desde su primer película, donde uso ya el nombre de Joaquin  (anteriormente se hacía llamar Leaf Phoenix) llamada To Die For o como se le conoce en español Todo por un Sueño(1995), donde Nicole Kidman usa sus encantos par seducir adolescentes, dirigida por Gus Van Sant, que era un actor que no solo estaba presente en la pantalla, sino que tenía un alto potencial de ser un camaleón frente a la cámara.

Con una carrera prácticamente impecable trabajando con los mejores directores de la industria como Ridley Scott, Oliver Stone, Phillip Kaufman o Paul Thomas Anderson y componiendo personajes muy intensos, Phoenix ha demostrado que ser estrella en Hollywood va más allá del asunto mediático y de popularidad, se trata de compromiso, alienación y mucha responsabilidad.

Todd Phillips que por supuesto es conocido en el medio como un director de comedias como la abominable Road Trip(2000) o la oda al mal gusto Starsky y Hutch y su película más popular ¿Qué Pasó ayer?(2009) donde daba rienda suelta a su obsesión por las historias de amigos y de mucho desenfreno,  tuvo la idea de llevar a la pantalla un personaje basado en los comics de la empresa DC que siempre ha sido objeto de culto por los fanáticos y que para muchos es el personaje más importante del universo de Batman: El Guasón o Joker.

Así el emprendimiento de Phillips le costó mas de 2 años en el desarrollo y en convencer a los ejecutivos de Warner para que vieran con buenos ojos dicho proyecto, pero después de los sendos fracasos que representaron las últimas adaptaciones como La liga de la justicia o la fallida Batman contra Superman, decidieron darle libertad a este proyecto que habla sobre un universo basado libremente en los comics pero que muy poco debe a ellos. La elección de un actor como Joaquín Phoenix era el primer peldaño para que los estudios dudaran de su efectividad no porque sea un mal elemento, sino porque quizá jamás imaginaron que fuera a aceptar el personaje y que el público se interesara por esta construcción mucho más oscura del mismo.

El resultado sobresale en pantalla, la cinta Joker de la que tanto se ha hablado por sus premios y ovaciones en festivales y sobre todo por el buzz creado alrededor de ella, es sin duda alguna una cinta arriesgada en todo sentido, oscura, fría y con un nivel de negatividad (creando un personaje antagonico muy minuciosamente) que pregna totalmente la pantalla. Es la creación de un villano que representa toda la maldad y el odio del ser humano hacia el mundo y los seres que lo habitan.

Dicho esto la historia que nos cuenta la película nos retrata la vida de Arthur Fleck un hombre extraño, con una vibra muy negativa que es relegado por la sociedad, es humillado, golpeado, dejado de lado por un sistema social que no permite que alguien tan alejado de la frase "ser normal" pueda convivir en esta ciudad Gótica, privada de libertad y con una población con mucha maldad a punto de estallar. Esta ciudad Gotica es real, hay maldad en ella y sobre todo hay una tremenda desesperanza que se siente en cada uno de sus rincones. Aquí donde vive este personaje no hay cabida para lo positivo y todo se reduce a la premisa de orillar a un personaje de tal manera que su única salida es dejar salir ese odio y esa violencia reprimida para crear caos y anarquía en la sociedad.

El Joker que compone Phoenix es un reflejo de todos nuestros miedos, de la podredumbre humana y del reflejo vano de un mundo cada vez menos sensible a cosas positivas. Artur Fleck es una figura que camina, vive y respira en la ficción pero que tranquilamente puede estar presente en cada uno de nosotros. La melancolía con que Lawrence Sher compone el dramatismo lumínico de cada plano, acompañado de los colores sin vida y suciedad del ambiente saturado de vacío que nos deja el diseño de producción de Mark Friedberg, aunado a la imagen lánguida y casi invisible de este Guasón que se alza como una voz hacía los antivalores  naturales de la humanidad y que Phillips retrata con singular cuidado en cada movimiento y en cada decisión de emplazamiento de cámara, son verdaderamente apabullantes.

La sala de cine sirve como catalizador y este viaje, esta experiencia que han construido Phillips y Phoenix es verdaderamente catártica. Todd Phillips decía en una entrevista que él veía casi imposible que alguien se identificara con el sentir de su personaje, porque el Guasón como figura de Anarquía representa todo lo negativo de la mente humana, pero creo sin temor a equivocarme que es todo lo contrario, la narración fílmica de este JOKER es tan definida y tan fina que al irse cocinando de a poco, al construir este personaje desde todos los ángulos posibles, logra que el espectador se identifique plenamente con Arhur Fleck y sufra en carne propia esta metamorfosis en la que el personaje se encuentra, de la oscuridad de su vida sin sentido, hasta el nacimiento del alter ego, de la verdadera cara del personaje, aquella que no tiene conciencia, que se ríe sin cesar, que asesina sin piedad y que desea destruir mas que crear a toda la sociedad que lo ha orillado a destaparse y a quitarse la mascara.

El espectador sucumbe ante la experiencia y es imposible quedar indiferente. El cine como catalizador de emociones, el viaje hipnótico que pocos directores logran con sus obras, la construcción minuciosa de un actor que sin duda alguna no solamente esta destinado a ser reconocido por los premios de la academia, sino que redefine el trabajo del actor frente a la cámara, desde el puro y llano ángulo del compromiso y la creación de una ficción a partir de la realidad y del lenguaje corporal, ha vuelto a inundar las salas de cine y eso es un respiro de aire fresco ante todo lo que nos han presentado ultimamente.

Tanto ha sido el impacto de esta cinta que al salir de la sala uno se pregunta; ¿Si era importante o no, el haber vinculado ciudad gótica, Batman o cualquier referencia de los super héroes a la cinta? ¿Qué hubiese ocurrido si esta idea no hubiese sido llamada JOKER y se tratará de un personaje más sin un origen determinado? ¿Hubiese tenido la misma exposición mediática? La verdad es que nunca lo sabremos, lo cierto es que estamos ante una de esas obras mayores, que suelen ser muy escasas en nuestros tiempos y que irónicamente pertenece a ese mundo tan criticado por los directores de la vieja escuela, ese mundo de los super héroes, de la ficción pura, que en esta ocasión decide contarnos una historia que pudo haber pasado en cualquier otro contexto,  pero siempre escudándose en la más pura de las ficciones narrativas del cine actual.


A Joaquín Phoenix lo acompaña Robert De Niro cuyo personaje nos recuerda a aquel Rupert Pupkin de la extraordinaria The King of Comedy de Martin Scorsese, como un presentador televisivo que representa el sueño de Arthur Fleck de convertirse en alguien popular y divertido. Zazie Beets como Shopie Dumond otro objeto de deseo de Fleck que lo acompaña en este viaje al lugar más oscuro del ser humano y Frances Conroy que interpreta a Penny Fleck la madre de este personaje que tiene un pasado oculto y que quizá represente la única conexión con la realidad del personaje de Arthur.

Alejandro G. Iñarritu hablo hace poco sobre la violencia en el cine, dejando claro que la violencia sin consecuencias es obscena e innecesaria. En Guasón la violencia no solo es explicita con la sangre y las consecuencias de una mente a punto de estallar, sino que esta presente en todo momento, en el interior mismo del ser humano, en las relaciones sociales, en la calle y sobre todo en el corazón oscuro de este personaje que disfruta su venganza de una manera extraordinaria. Dejando claro que a veces la justificación del ser violento proviene de la reacción y consecuencia, mas que del deseo y la necesidad de mostrarla.

EL VEREDICTO: Todd Phillips con grandes pantalones y huevos mayúsculos ha logrado una obra honesta, profunda, poética y podría decir demasiado oscura para el mainstream pero que será un éxito descarado por tratarse de una cinta que roza delicadamente personajes que son considerados clásicos entre los fanáticos de las historietas. Joaquín Phoenix ha sido un extraordinario actor que ha demostrado su compromiso con sus personajes desde hace mucho tiempo, y aquí hace un Guasón que quedará en la historia como una de las mejores interpretaciones de todos los tiempos que muchos han comparado con aquella mítica interpretación de DeNiro en Taxi Driver.

Los fanáticos de los comics probablemente no acepten la libertad con la que se trata a este personaje, ni estén muy de acuerdo con los cambios propuestos,  pero esta cinta no esta hecha para dar gusto a los fans sino para contarnos una historia desde otra perspectiva y que siento muy necesaria en estos tiempos donde parece que el cine ha olvidado su compromiso con la calidad de los contenidos.

Advertimos que esta cinta no es para toda la familia y que su clasificación de Solo para Adultos  no es para tomarse a la ligera.

CALIFICACIÓN 9 DE 10
DIRECCIÓN TODD PHILLIPS
ACTORES JOAQUIN PHOENIX
GÉNERO THRILLER/DRAMA

miércoles, 25 de septiembre de 2019

MIDSOMMAR: EL TERROR NO ESPERA A LA NOCHE


La ola de nuevos directores que apuestan por la autoría cinematográfica, mas que por el blockbuster taquillero es cada vez menor y las obras que se producen apoyadas por grandes estudios son cada vez más escasas.

Ari Aster sorprendió a todo el mundo con su debut en 2018 con la cinta El Legado del Diablo (Hereditary) que se estrenó en varios festivales internaciones y cosechó muy buenas criticas y sobre todo comentarios que elevaban la obra a la de un clásico instantáneo, por tratarse de una historia que regresa a esos miedos más primitivos y que de alguna manera compartía esa empatía por lo sobrenatural desde las posibilidades de un demonio o poder que proviene fuera de este mundo, como en su momento lo hizo Roman Polanski con la aterradora El Bebé de Rosemary.

Ahora Aster después de lograr hacer voltear a todo el mundo de la critica de cine para seguir de cerca sus pasos, presenta su segunda película que es llamada Midsommar que en realidad significa el pleno verano o el verano en su parte medular, celebración que se realiza en Suecia desde hace varias décadas y sirve para conmemorar la época del año con más luz y naturaleza absoluta.

Midsommar trata sobre Dani(Florence Pugh) que misteriosamente ha perdido a toda su familia y que se encuentra en un momento en que su único pilar para mantenerse viva es su novio Christian(Jack Reynor) que curiosamente no se siente del todo cómodo al cargar con el peso de ser, el salvavidas de su pareja. Christian decide ir con sus amigos a Suecia a la propiedad de la familia de Pelle(Villhelm Blomgren) donde se celebrara esta tradición llena de paz interior y de mucha naturaleza. Obviamente Christian se siente obligado a invitar a Dani al viaje y así esta historia aparentemente normal arranca con este viaje que realizaran Dani, su novio y sus amigos para pasar unos días en medio de este lugar donde aparentemente todo es armonía.

Las cosas que suceden durante los 9 días de estadía de los amigos comienza con un viaje de hongos alucinógenos y terminara en una apoteosis aterradora y bizarra que por supuesto cambiara el rumbo de sus vidas para siempre. La cinta de Aster toma un rumbo no solo muy arriesgado sino que tiene tremendos pantalones para mostrar lo más primitivo del ser humano y su relación exagerada con fuerzas que provienen del más allá. El culto pagano y sus ideologías extremas, los ritos, el colosal abismo de la mente del hombre para provocar y evocar fuerzas que ni siquiera son entendibles, juegan un papel principal en esta experiencia que lleva al espectador de la mano y que por momentos se vuelve insoportable, ya que lo que va ocurriendo se vuelve cada vez mas incomodo de ver.
Aster juega con una fotografía naturalista pero muy estrafalaria de la mano de su fotógrafo Pawel Pogorzelski que compone los cuadros simétricos perfectos y dota de unas sensaciones completamente extrañas que hacen que el ambiente en la sala de cine se sienta sofocante. Las actuaciones apabullantes de Florence Pugh que compone a esta mujer que ha perdido todo y que naturalmente encuentra en este lugar lo que tanta falta le hace. Si esta cinta no fuese tan aterradora, podríamos decir incluso que se trata de un drama familiar sobre la pérdida y el reencuentro de lo perdido.
El arte y toda las simbología que se utiliza en la cinta es sin duda un plato exquisito, así como el ritmo que va gradualmente en su extensa duración 147 minutos.


Al final el público sale de la sala devastado, asustado, asqueado y hasta podría decir que después de ello puede haber pesadillas rondando en su cabeza, cosa que actualmente pocas cintas de este género logran después de salir de la experiencia de la gran pantalla.
Ari Aster se corona entonces como un gran autor, como un director con muchas obsesiones, con temas recurrentes, pero con gran frescura al momento de presentar su nueva película.

EL VEREDICTO: Si su anterior cinta tenía un aire al Bebé de Rosemary de Polanski, esta cinta hace homenaje al cine de Robin Hardy, Jodorovski y hasta un poco se siente como un filme de Wes Anderson, pero por supuesto con su estilo único y que logra que se eleve el cine de género a un lugar especialmente aterrador, dejando de lado los convencionalismo del miedo. Un plato no apto para todo el público, sino que se trata de algo exótico, cocinado a fuego lento y que si se le da la oportunidad no dejara indiferente a nadie. Una de las mejores películas del 2019 sin duda alguna.


CALIFICACIÓN: 9 DE 10
DIRECTOR: ARI ASTER
ACTORES: FLORENCE PUGH
GÉNERO: TERROR

lunes, 23 de septiembre de 2019

RAMBO: LAST BLOOD


Sylvester Stallone ha construido una carrera llena de tropiezos y éxitos, con ideas verdaderamente geniales y sigue entercado en traer de vuelta a personajes icónicos como Rocky o Rambo a las pantallas. En el verano de 1982 la cinta First Blood dirigida por Ted Kotcheff y basada en una novela no muy exitosa del escritor David Morrell llego a las pantallas con la parafernalia de un Stallone que venía de interpretar por tercera vez a Rocky Balboa y necesitaba un cambio con un personaje nuevo para seguir adelante con su carrera. Stallone para muchos, limitado actoralmente fue duramente criticado por elegir como siguiente proyecto, un personaje que representaba los miedos y frustraciones de la guerra de Vietnam y que finalmente se convertiría en una imagen representativa de lo negativo que fue la guerra en los Estados Unidos y como aquellos excombatientes luchaban por mantenerse cuerdos, en un mundo desconocido para ellos.

La cinta fue un éxito moderado, pero permitió a sus productores pensar en este personaje como un héroe de guerra minimizado y frágil que podía perdurar en la mente de los espectadores y colocarse como una moda pasajera. La moda superó las expectativas y cuando estreno Rambo II no solo se convirtió en la cinta mas taquillera de ese momento sino que catapulto la carrera de Stallone a otro nivel de popularidad.

Ahora muchos años después Rambo regresa a la pantalla con 74 años encima y con mucho camino recorrido para supuestamente terminar su andar por el mundo con esta quinta secuela llamada Last Blood haciendo alusión al título de la primer película y tomándolo como un capítulo conclusivo de esta saga.

Aquí John Rambo(Stallone) vive en paz en su rancho de Arizona, con una mujer mexicana llamada María(Adriana Barraza) que funge como una madre cuidadora del personaje y que tiene una nieta llamada Gabrielle(Ivette Monrreal) ambas mexicanas, que han visto siempre a Rambo como un tío o un padre sustituto.

Gabrielle esta empecinada en buscar a su padre verdadero en México, que la abandono sin razón alguna. Por supuesto María y John no quieren que vaya, pero sin importar sus consejos, Gabrielle se embarca en la búsqueda de su padre por México(obviamente un México peligroso) y esto tendrá fatales consecuencias para ella y su familia.

John Rambo desatara un huracán lleno de violencia para encontrarla y llevarla a casa. La premisa es sencilla, fácil de entender, cine de venganza al más puro estilo de Charles Bronson,  aquí hay un Rambo lleno de locura, inclusive su mente le recuerda cada vez que esta a punto de perder la razón y es por ello que decide en vez de reprimir su naturaleza, darle rienda suelta bajo el pretexto de buscar venganza por aquellos que violentaron a su familia.

La cinta la dirige Adrian Grunberg que anteriormente tuvo su primer experiencia como director con la cinta Get The Gringo protagonizada por Mel Gibson, Stallone se coloca en el lugar del guionista y actor principal y por supuesto que ambos toman la decisión de llevar esta entrega por los caminos exagerados del "Explotation" puro, sangre, cabezas rodando, violencia extrema, más sangre y una secuencia final de antología con mucha violencia llevada hasta las últimas consecuencias.

La hechura no es perfecta, se notan las costuras de un guión que cae en lo inverosímil, en lo ridiculo y a veces hasta en lo extremadamente melodramático. Los agujeros en la trama son evidentes, algunas actuaciones muy regulares como la del mediático Oscar Jaenada que interpreta aVictor Martinez un despiadado narco mexicano y la del villano principal Sergio Peris. Mencheta que no logran construir ningún sentimiento de profundidad en su desempeño y son por supuesto villanos muy malos sin alma.

El México retratado por la cinta es  otra vez ese lugar feo, pobre, maloliente, lleno de criminales y personas muy malas que por supuesto tendrán que enfrentarse con él excombatiente americano lleno de odio hacia su maldad.

Rambo Last Blood es una cinta con una calidad casi de una cinta directa a video, pero de verdad se agradece que Grunberg y Stallone hayan optado por un camino extremo, es de ese tipo de cine que no se hace más y que no tiene vergüenza al tratarse de una violencia sin tapujos y totalmente visceral. Su desempeño es regular pero su climax es demasiado catártico como para no disfrutarlo.

Actualmente el cine de acción ha sido azucarado por héroes sin ninguna capacidad de asombrar al público, los Rápidos y furiosos que están de moda jamás podrán mostrar una faceta violenta sin estilizar su procedencia, nunca ni Vin Diesel, ni La Roca se podrían ver como John Rambo, curtido, sucio, triste, deprimido y sobre todo con una locura que espera cualquier pretexto para explotar.

EL VEREDICTO: Una cinta con un desempeño irregular, con decisiones erróneas y otras muy discutibles, pero que tiene los mejores 15 minutos finales en la historia del cine de acción Gore, nos hubiese encantado un mejor desenlace de este personaje, un guión mas trabajado, pero eso no quita que la cinta sea demasiado entretenida y sincera en su proceder, además que se agradece que sea de esa forma y no una más de acción sin cerebro que ni siquiera tiene los pantalones para mostrar ese lado salvaje del héroe que lo vuelven una bestia totalmente incontrolable y es por ello que si deciden verla en el cine, la verdad es que se vuelve un plato muy disfrutable a la vieja escuela del cine de acción.

CALIFICACIÓN: 6.5 DE 10
DIRECCIÓN: ADRIAN GRUMBER
ACTORES: SYLVESTER STALLONE
GÉNERO: ACCIÓN