ROGUE ONE: la esperanza no ha muerto!

Para muchos fans acérrimos de la saga Star Wars una de las mejores películas de la  trilogía original es El Imperio Contraataca dirigida por el gran Irvin Kershner que en aquellos años se erigió como algo obscuro y con un final agridulce que siempre recordaremos aquellos que tuvimos la fortuna de verla en su estreno en la gran pantalla. Se han dicho miles de cosas, criticas sobre si, las precuelas de George Lucas fueron dignas o si la casa Disney ahora que ha tomado el control de Lucas Films esta a la altura para seguir produciendo cintas de Star Wars que muevan masas y generen en los fans viejos y los más nuevos imágenes icónicas e inolvidables tal y como sucedió allá por 1977.
Rogue One una historia de Star Wars quizá es la apuesta mas arriesgada de la casa disney por darle a los viejos fans una historia de verdad madura y que importe, sobretodo porque esta cinta funge como puente entre el episodio 3 y el 4 y en definitiva la historia de los rebeldes espias tratando de apoderarse de los planos de la estrella de la muerte siempre fué algo que  llamaba la atención de aquellos que nos leíamos una y otra vez el scroll de inicio de Una nueva esperanza.

Gareth Edwards el director de esta nueva cinta ha logrado fusionar esos deseos intensos de los fanáticos por ver en la pantalla una historia que no basa su grandeza en efectos digitales por computadora ni tampoco en el poder del marketing de la casa del raton, sino que con un guión bastante solido de Chris Weitz que en su trabajo están los guiones de comedias menores como About  a Boy o bien la insufrible La Brújula Dorada y Tony Gilroy que dota de sobriedad los diálogos de la cinta y que en su pasado escribió varias cintas del héroe Jason Bourne. Pero el principal culpable de que esta cinta llegara a la pantalla es John Knoll que desde 1977 trabajo en Lucas Films en el departamento de Efectos especiales y que cuando se entero que Kathleen Kennedy presidenta de Lucas films estaba buscando ideas para un spin off de Star Wars decidió hablarle de aquella linea del scroll del texto inicial de A new hope donde se hablaba de estos espías rebeldes que habían robado los planos de la estrella de la muerte y eso inicio todo lo que ahora conocemos como Rogue One. La cinta de Edwards de mueve entre el peso de la cinta original y los elementos completamente nuevos para poder crear un mundo donde no hay Jedis sino solamente recuerdos de aquella orden y una rebelión pobre que se dedica a tratar de destruir al imperio pero con el miedo de enfrentarlo directamente. Es la época donde Darth Vader esta en su mejor momento y el emperador Palpátine es dueño y señor de todo el control de la galaxia. Aquí es donde los héroes mínimos lidereados por la joven Jyn Erso y el Capitan Cassian Andor deben ir y tratar de robar los planos de la estrella de la muerte en una misión suicida y muy heroica.

Edwards decide hacer una cinta entrañable, diferente y nos presenta no solo la historia de estos personajes, héroes anónimos sino que busca brindar detalles importantes para construir el universo de Star Wars que siempre recordamos. Si bien al inicio la cinta fundamenta su narrativa de manera errática en diferentes escenarios, conforme pasa el tiempo los personajes van cobrando forma, van teniendo cosas interesantes para contarle al espectador, aquellos detractores que cuestionaron la calidad de las precuelas se sienten identificados con los escenarios de Jedha o en el interior del Destructor imperial. Los cameos y personajes icónicos que deambulan por ahi son tan conocidos y tan entrañables que no se sienten forzados sino necesarios para crear este enorme universo.
El equipo detrás de Rogue One nos ofrece sin pretensiones, ni tampoco esperando crear una obra cinematográfica de gran complejidad, una oda a esta galaxia muy lejana, un acercamiento a esas grandes aventuras que disfrutamos en la infancia y que a muchos de nosotros nos absorbían en universos fantásticos que repercutieron inclusive en la vida adulta, las batallas galácticas que luchan contra un imperio opresor, el estar dentro de un Xwing y moverte del asiento cada vez que sus alas se desplegan, o bien sentir como los pelos se erizan con la respiración de Lord Vader y la voz de James Earl Jones es algo inigualable. Además para nosotros los mexicanos es un orgullo ver a Diego Luna en el reparto estelar de esta cinta ya que además de que el personaje esta bien construido y acompaña perfectamente a la protagonista su desempeño actoral esta a la altura de todo el reparto que se sienten agusto y disfrutando la experiencia de estar en una cinta de esta magnitud.

Para aquellos que son muy críticos y que han dicho que la cinta es vacía y que es un producto de la comercialización de Disney, aca no hay medias tintas, Rogue One es una cinta con gran corazón, muy pero muy comercial(término que usan algunos para decir que no tiene un valor cinematográfico, gran error) entretenida, entrañable, bien filmada y que digan lo que digan cumple con creces a todos los fans que esperaron siempre ver esta gran historia. El Score de Michael Giacchino es épico con tintes obvios a los ya creados por el maestro John Williams y la fotografía de Greig Fraser que dota de una oscuridad singular y momentos de verdad atmosféricos a la cinta.  Sin duda alguna quedara en los anaqueles como un gran riesgo bien logrado y bien sorteado por los productores y por supuesto que esta cerca de convertirse junto con el Imperio Contraataca en una cinta muy querida por todos los fans.
Le pese a quien le pese Star Wars ha vuelto para quedarse por muchos años mas. La esperanza esta viva!

ROGUE ONE: UNA HISTORIA DE STAR WARS
DIRECTOR: Gareth Edwards
PRODUCTOR: Kathleen Kennedy
MUSICA: Michael Giacchino
REPARTO: Diego Luna, Felicity Jones, Donnie Yen
CALIFICACION: 9 de 10

NEON DEMON: Los demonios del Artificio

La experiencia cinematográfica es algo que alude al sentido estético de percibir con los sentidos algo más que simples imágenes en movimiento, sino también una comunicación fascinada con el espectador y colocar elementos que no solo conviertan esas imágenes en una narrativa sino también en algo totalmente sensorial.

Nicolas Winding Refn es un director que ha presentado más que obras cinematográficas, experiencias cinematográficas, tomando de referencia el mundo cotidiano, las historias, los mitos y las leyendas, Refn construye un universo plagado de colores Neón, de Artificio estético que definitivamente nos recuerda lo mágico que puede ser una imagen que destella en la pantalla y que genera sensaciones diferentes en los espectadores. Es por ello que su nueva obra El Demonio Neón(The Neon Demon) se puede definir como una experiencia que dota a la imagen no solo de un discurso disfuncional dentro del universo que fabrica la película; el mundo de la belleza, sino como parte de un ritual casi demoníaco donde lo más importante es el vacio y la transformación de algo bello en algo aterrador.

La historia de Jesse (Elle Faning) una chica de un lugar pequeño que representa una belleza abrumadora y que decide meterse de lleno a vender su imagen como un objeto de adoración en ese mundo vacío y casi sin vida de la moda. La pasarela, el vestuario, el maquillaje se convierten en esas armas de una violencia silenciosa que perturba la psique humana decidiendo la perfección a partir del término bello que nada tiene que ver con la belleza pura de un ser vivo. Es así como Jesse esta chica hermosa se vuelve el objeto de deseo de un triangulo aterrador de mujeres que quieren ser como ella a toda costa. Objetos de la moda, de la falsa perfección que no tienen el valor de brillar por su naturalidad sino todo lo contrarió, su brillo se basa en lo plástico, lo desechable, lo no natural.
Nicolas Winding Refn con esta obra fué abucheado en el festival de Cannes, ha sido muy criticado por su mirada nada condescendiente del objeto en el cine, sin embargo, la cinta ofrece para quienes le den una oportunidad una mirada única en su clase a un tema que se ha tocado poco en el cine, un tema que definitivamente merece un nivel de importancia clave y que en realidad envuelve todo lo artificioso que puede ser la luminaria en Hollywood.

La critica social, el nihilismo plagado de sentido autoral, la estética acústica y visual son los elementos que Refn nos hace disfrutar en la gran pantalla.
Recordemos que también el cine de terror puede nutrirse de autores como Refn y de elevar su propuesta hasta un nivel de busqueda como todos los demás géneros.

Aunque siga siendo un director muy propositivo, que pelea contra esa critica que desea que sus cintas se parezcan a las de otros directores que ganan muchos premios, Nicolas Winding Refn ha dicho que el cine es arte y por ende el arte debe ser sentido y percibido por todos los sentidos, arte ligero, arte abstracto, arte conceptual, al final del día arte en su estado puro, sin concesiones y con un discurso propio. Algo que en estos días se agradece, en un mercado plagado de copias y refritos sin sentido.

EL DEMONIO NEON
Director:Nicolas Winding Refn
Productor:  Lena Borglum
Fotografía: Natasha Braier
Musica: Cliff Martinez
Actores: Elle Fanning, Jena Malone, Keanu Reeves
Calificacion: 9 de 10

MANOS DE PIEDRA en el arte de contar historias

Escribo este comentario con varios sentimientos encontrados ya que si bien no soy panameño pero entiendo el sentimiento nacionalista de aquellos que viven en este país(porque he vivido ahí), que es riquísimo en cultura y tradiciones, pero que a veces, se encuentra ensombrecido por la idea del tercermundismo malentendido y los pocos momentos de gloria que han tenido. Es por ello que la importancia de resaltar valores populares y enaltecer la propia cultura nacional, es algo necesario y por consiguiente obligado, sobre todo al ver expresiones de arte como lo es el cine, hablando y contando la historia de uno de los personajes más populares, entrañables y sobre todo de orgullo de Panamá que contra todo pronóstico logró ser una gran gloria del boxeo internacional sin duda y que cuenta con una historia de vida extraordinaria.

MANOS DE PIEDRA (Hands of stone) es el titulo de la cinta dirigida por Jonathan Jakubowicz un director venezolano que en su haber tiene una sola cinta para pantalla que avala su trayectoria; llamada Secuestro Express, donde exponía con singular frescura la problemática violenta de una realidad latente en Venezuela y en diversos países de latinoamerica.  En esta su segunda película ha contado con gran expectativa desde su anuncio oficial y es secundado con actores de primera linea como Robert De Niro, Edgar Ramírez, Ana De Armas, John Turturro, Ellen Barkin y con un equipo de primera linea como los productores Harvey y Bob Weinstein que en su haber desfilan singulares películas de gran presupuesto o de gran propuesta estética como Pulp Fiction, Pandillas de New York entre muchas otras.  Manos de Piedra ha sido estrenada en estados unidos, Venezuela y por supuesto en Panamá con bombo y platillo anunciando que esta gloría del deporte mundial, que este biopic enaltecerá los valores de los latinoamericanos en su máximo esplendor al contarnos una historia real de triunfo, caída y retos de un héroe latino.

Sin embargo el bombo y el platillo comienzan a escucharse cada vez más lejanos cuando vemos lo que realmente nos ha brindado Jackubowicz con esta cinta. Ha convertido la historia de Roberto Duran en un videoclip de larga duración, con nexos rotos, montaje inconexo, con exceso de primeros planos sobre todo en las secuencias de pelea(que son el plato principal de la película y que son difíciles de ver por esta decisión) logrando una distancia terrible entre la historia y el espectador, volviendo el personaje de Duran más y mas lejano, solo ayudado por la experiencia actoral y de cuadro de un Robert De Niro entrado en años que hace su mejor esfuerzo por interpretar a Ray Arcel y que junto con Edgar Ramírez quien tiene la difícil tarea de convertirse en el héroe panameño creíble, carismático, que debe subir al ring ataviado con las manos de piedra de Durán son quizá el acierto más grande de la película. De Niro y Ramírez han entendido el nivel que debe tener un actor en pantalla, han logrado subir de estatus esta cinta, que por momentos parece ir a pique sin dirección alguna, pero que gracias a su interpretación se logra mantener a flote, siempre y cuando Jackubowicz no le ponga planos aberrados o montaje rápido para diluir la idea.
Si bien se puede ver la producción, en su máximo esplendor, creo definitivamente y sacando los gritos nacionalistas y el sentimiento de varias personas que en la sala de cine pueden conocer un idolo real y de su país, que MANOS DE PÍEDRA falla terriblemente en su confección, en tratar de brindar un espectáculo visual efectista, dejando de lado la historia que cuenta. Al final en la última secuencia de pelea, donde se debe llevar el corazón de la audiencia, la historia ha sido demasiado para el espectador y uno quisiera que esto terminara lo más pronto posible.

Una lastima ya que tristemente, tenían con que lograr algo mucho más entrañable y mejor contado, engolosinarse con una forma narrativa vacía es lo que dota a la cinta de un interés nulo dejando de lado los sentimientos personales de la gente que ha nacido y ha vivido en Panamá o que ha conocido vida y obra de gran Cholo panameño. El guión del mismo director, es confuso y delimita demasiado al personaje, volviendolo algo muy artificioso por momentos y centrandose en lugares tan comunes del drama de barrio tradicional.
Una cinta tibia y muy malentendida por los creadores y con pocas intenciones de trascender. Es una cinta más, un biopíc típico y para aquellos que quieren exaltar su sentimiento nacionalista, de patria, que quieran ver una historia de triunfo y coraje sin pensar en su valor cinematográfico será una verdadera revolución, para quien busca una buena película, hay otras opciones para explorar.

MANOS DE PIEDRA(hands of stone)
Director: Jonathan Jakubowicz
Productor: Harvey y Bob Weinstein
ACTORES: Edgar Ramirez, Ruben Blades, Ana de Armas, Robert De Niro, Usher Raymond IV, John Turturro.
CALIFICACIÓN: 6 de 10

ESCUADRON SUICIDA la odisea purpura de la extravagancia extrema

Se estreno por fin la cinta "más esperada" de la temporada, lo pongo entre comillas ya que el público está ávido de cine artificioso lleno de color y de ruido, basado por supuesto en un comic y con personajes que ya de por si acarrean un sin fin de seguidores.

Suicide Squad la apuesta del universo DC que tiembla cada vez que se menciona el fallido intento de Batman Vs Superman, que no solo destruyo los sueños inmediatos de Hollywood de poner en marcha secuelas y diferentes cosas basadas en comics y detuvo un poco el estupor por generar mas y mas producciones hasta no saber su real alcance. Y para ello Warner Brothers/Universal decidió ver primero el resultado de Escuadrón Suicida, cinta dirigida por David Ayer que se ha desempeñado como un director comodín en cuanto a cine de acción se trata y decimos esto, porque ha brincado de varios proyectos y casi todos tienen en común que son cintas de acción con un poco de drama y casi todas se basan en la experiencia de Ayer en crear atmósferas tensas y mucha acción sin sentido. Como es el caso de Corazones de Hierro (Fury) de 2014 o End of Watch(2012) una cinta de policías al más puro estilo de la bruja de blair. Además de sus incursiones como director Ayer ha sido convocado para asesorar cintas cuyo guión depende de su pericia como Día de Entrenamiento(Training day)2001 o la mismísima The Fast and The furious (2001) donde potenció con un guión muy honesto la mirada bastante tímida del director Rob Cohen.

Aquí en Escuadrón Suicida no hay mucho tiempo para pensar. Los personajes están, se construyen a si mismos como caricaturas malvadas como en el caso de Harley Quinn interpretada por Margot Robbie que sabe muy bien de que se trata su personaje, una psicopata malvada pintada al estilo Guason. o Deadshot interpretado por Will Smith que siempre le saca un gran partido a su personaje y sus ganas de que lo tomen en serio construyen un artefacto efectivo con la audiencia y se posiciona como lo mejor de la idea. Jaret Leto reinventado al Guason de una manera particularmente magistral, haciéndolo gangster y sin ninguna manera de compararlo con el joker de Nicholson o de Ledger. En fin la cinta se mueve en esa masa sin forma de esos personajes que son villanos, que son malos y que les toca, obligados, salvar el mundo de la venganza de una hechicera muy malvada.

Además de todo esto el ruido de la acción descerebrada, la música del playlist de éxitos vintage conocidos y algunos muy disfrutables. El entendimiento de la manera de fabricar icono grafía en un público carente de identidad que vuelve moda todo lo que se le pone enfrente sin cuestionar, el manejo del tiempo y de la forma narrativa, del drama golpe bajo y de la sinergia de una cinta que basa su atractivo en seres metahumanos, con poderes, rayos y centellas que viven en el universo del comic, es algo que David Ayer como director y guionista sabe hacer y lo hace de una buena manera.
Suicide Squad es un placer culposo, una cinta que disfrutarán aquellos fans acerrimos de DC comics, pero también aquellos que la moda y el mood del momento los consume y por verse cool van a ver la película sin saber nada de los personajes o de su origen. Aquellos que entren buscando densidad, autoralidad, oscurantismo en una cinta con purpuras brillantes y personajes que parecen salidos de una pesadilla barata de Andy Warhol saldrán muy decepcionados. Pero la decepción es de cada uno, a una cinta de estas se debe entrar con ganas de ver un show Kitsch retro sin forma, con mucha luz, muchos colores y poca densidad en la historia. Verla así es una maravilla, una cinta informal, no hay anarquía en su contenido sino muchas ganas de vender palomitas, vender entradas, playeras y figuras, y eso tampoco es malo el cine también es un espectáculo!

SUICIDE SQUAD
director: David Ayer
Productor: Zack Snyder
Actores: Will Smith, Margot Robbie, Jaret Leto
CALIFICACIÓN: 7.5 de 10

LA NIÑA DE LA MINA: De lo incorrecto al humor involuntario

El cine nacional ha tenido una veta interminable de intentos para poder colocarse en el gusto del público y generar que las salas, que están atiborradas hoy en día de producciones extrajeras, acepten y prioricen al cine con una mirada propia y diferente. Estos intentos algunos son fallidos, otros son bastante decentes y la mayoría salvo sus honrosas excepciones se quedan en solo eso, en intentos.
El hablar encima de género que es algo no muy cotidiano en la producción nacional, acota muchisimo más el panorama y hace que las comparaciones y los referentes se vuelvan mucho más fuertes. Si bien las formulas y los elementos cotidianos, a veces mal llamados Clichés son pan de todos los días en el cine extranjero, en México también podríamos pensar que se puede lograr algo muy comercial y muy entretenido para una audiencia con sentido light del disfrute cinematográfico.
Eso suponemos que pensó Jorge "Tocayo"Ramirez cuando se enfrasco en la realización de la cinta La Niña de la Mina, producción mexicana filmada en el estado de Guanajuato, basada en una historia de Rafael Zarate un leonés que con su historia pretendía rescatar aquello de las leyendas pérdidas del estado que siempre se escuchan pero que muy pocos se atreven a abordar.

El resultado de este emprendimiento es una cinta que navega entre lo tibio y el humor involuntario, La niña de la Mina no es una cinta comprometida con lo que cuenta y recurre al artilugio chapucero de contarnos una historia de miedo, donde lo que menos hay es miedo en si mismo.
La cinta nos cuenta como si se tratase de cualquier producción extranjera la historia de unas muchachonas calenturientas que después de la noche de embriaguez típica, deciden, junto con el mirey del antro ir a la mina que se dice esta embrujada. Ahí por supuesto sucederán cosas sobrenaturales; que en la mente del director "tocayo" se definen como sombras pasando delante de cámara y sonidos estridentes sin sentido alguno para generar una atmósfera que de por si es inexistente.

De ahi la cinta nos lleva a una universidad en estados unidos donde se encuentra el Famosisimo y prestigioso Dr Mateo que no es otro que José Angel Bichir el hijo de una dinastía de actores emblemáticos en México y que recurre al personaje exento de carisma y de chiste sin gracia para generar un personaje que no solamente recita diálogos por que si, sino que dichos dialogos más que paródicos se vuelven insostenibles al momento de entrar en la atmósfera del miedo; nuevamente definiendo esto como música estridente que no cesa en todo momento y efectos sonoros o sustos baratos que ni siquiera arrancan un suspiro en el espectador.
La chica guapa e intelectual es interpretada por Regina Blandon que si bien esta como tratando de empujar la cinta hacia el tono más en serio, nunca llega ya que la mitad de la película pierde el maquillaje (pensamos que porque esta poseída o bien le dio mucho miedo de salir en esta cinta) y con ello su mínimo poder de convencimiento se va de la pantalla.

Los secundarios como Gerardo Taracena que lo hemos visto en otras cintas con un muy buen nivel actoral pues están ahi y son expendables como el resto de los extras que deambulan en cada plano que nos propone "Tocayo" Ramirez. El Guanajuato que nos vende la historia queda como un mero pretexto para generar fondos económicos de parte de Gobierno del estado quien apoyo la cinta y filmar planos absurdos y sin nada cinematográfico simplemente copiando secuencias de montaje con alguna canción de moda que nada tiene que ver con lo que cuenta la película.
Al final la famosisima niña de la mina que tanto debió asustar no aparece, la trama cae en un cliché tras otro, la banda sonora no deja se sonar y se vuelve no solo una mediana copia de la música para película del santo contra las momias de Guanajuato sino que busca el dramatismo artificioso sin sentido para suplir la inexperiencia del realizador de lograr los momentos de miedo con otros elementos.

Sin duda alguna el momento climático de la cinta; si es que el espectador no se canso ya de algo repetitivo y sin vida, es lo más aterrador de la cinta, pero no por las razones por las cuales muchos pagan un boleto por ver cine de terror sino porque cae en la salida fácil, en el recurso mostrativo del monstruo barato sin efecto alguno en quien lo ve. Se escucha el ultimo acorde y los suspiros del respetable se dejan sentir, como cuando uno de chico se tomaba el antibiótico o el aceite de hígado de bacalao, ya que el martirio terminó y el mal sabor de boca seguirá por unas horas a quien se atreva a entrar en la sala tratando de disfrutar esta cinta.
Lamentable, olvidable y sumamente bochornosa es la triada de calificativos que merece esta cinta.
Véala bajo su propio riesgo

LA NIÑA DE LA MINA
Director: Jorge "Tocayo" Ramírez
Guión: Rafael Zarate
Fotografía: Marc Vellver
Producción: Xavier Fox
Actores: José Ángel Bichir, Regina Blandon, Gerardo Taracena.
Género: Horror

CALIFICACIÓN: 0 de 10

LAS ELEGIDAS una fabula depresiva y necesaria

Cuando hablamos de cine mexicano de calidad, tristemente muy pocas películas se reflejan en la memoria, si le preguntamos a nuestros padres nos dirán "aquellas de la época de oro, esas eran buenas películas" sin duda esa época dorada ha quedado atrás y aunque también se producían churros al menos esos productos eran consumidos por audiencias en salas.

En la pasada entrega del Ariel tuvimos la controvertida participación de todo el gremio del cine mexicano, realzando la producción nacional y tratando de olvidarse un poco del mal sabor de boca de los ingresos reales en taquilla de nuestro cine. Después del incendiario discurso del director Paul Leduc que colocó al cine nacional como invisible para los espectadores y la realidad latente en la golpeada industria de nuestro país, la celebración mermó un poco y la nota del día condenaba al séptimo arte a seguir pasando por un momento oscuro. Pero aún así la cinta ganadora de la noche, una película de corte minimalista llamada LAS ELEGIDAS del director David Pablos, que anteriormente nos había presentado una cinta muy irregular llamada La Vida Después allá por el 2013 es sin duda alguna la mejor elección de esta selección de premios.

Una historia sobre la trata de blancas en Tijuana, que no tiene pelos en la lengua al momento de entablar un discurso contundente con el espectador e incluso establecer nuevos horizontes del lenguaje narrativo convencional, transformando en poesía pura momentos aterradores y grotescos de la película, que en manos de otro director hubiesen sido perfectos para mostrar escenas de sexo baratas y sin chiste, en LAS ELEGIDAS se vuelve parte de este entorno minimalista depresivo que por supuesto va de la mano con el sentir de la protagonista Sofía interpretada contundentemente por la debutante Nancy Talamantes, componiendo un personaje lleno de vacío y de deseo reprimido, una chica de 14 años que es prostituida por la familia de su novio Ulises (Oscar Torres) y que en su rostro podemos ver esa melancolía existente en casi todo nuestro país, cuando se trata de hablar de justicia, equidad y paz.

El decorado y la fotografía de Carolina Costa busca en todo momento mimetizar la personalidad de sofía y su sentir ante el mundo, con elementos necesarios, mínimos pero efectivos.
Como si fuese un eco del cine de Carlos Reygadas o de Amat Escalante pero con mas voces presentes en el discurso Las elegidas es pues un verdadero viaje hasta el infierno más descarnado y a la vez una voz contenida de todo aquello que es incorrecto, pero que de cualquier manera pasa y nadie queremos ver.
Una película necesaria y atrevida que ha encontrado su público gracias al sistema NETFLIX donde ya se puede ver sin esperar a que llegue a salas de cine. La verdad pocas veces puedo decir que da gusto y orgullo ver que aunque la industria del cine mexicano, sus productores y sus fines, de pronto parecen no tener un camino, existen estos pequeños intentos de contar historias que verdaderamente importan a nuestro país y que tambien constituyen la mirada de cineastas comprometidos con su propio entorno.

Aplausos de verdad para David Pablos y su equipo de trabajo, muy merecidos sus premios y por supuesto que lo mejor es que ahora mismo gracias a las nuevas plataformas digitales, podemos verla legalmente y disfrutarla en la comodidad de la casa.

Una Recomendación para este fin de semana. Sin duda alguna de lo mejor de nuestro cine mexicano

LAS ELEGIDAS
director: David Pablos
productores: Gael Garcia Bernal y Diego Luna
Fotografía: Carolina Costa
Actores: Oscar Torres, Nancy Talamantes

Drama

Calificación: 9.0 de 10

EL CONJURO 2 entre lo malévolo y el elemento real

James Wan sin duda alguna es de esos directores que han dejado una huella ya indeleble en el golpeado universo del cine de terror. Con Saw una de sus primeras cintas (mal llamada en latino américa "el juego del miedo") logró posicionar en un eslabón alto las cintas independientes de género y contar una historia que si bien se nutre de otras ya establecidas presenta una innovación notable destacándose del monton.

Después hizo lo mismo con las cintas dedicadas al demonio con su famosa Insidious que deleito a los fans del género provocando sustos genuinos y muy bien logrados. En el 2013 Wan se metió de lleno ya con mucha más experiencia en el terreno de lo paranormal basado en hechos reales, El Conjuro una cinta protagonizada por Vera Farmiga y Patrick Wilson logró no solamente posicionarse como un éxito en la taquilla mundial sino que confirmo que el sr Wan tenía con que, al momento de hablar de causar miedo en el espectador. La historia de los esposos Lorraine y Ed Warren dedicados a confrontar hechos paranormales, que incluso han sido documentados en la vida real con resultados plenamente controvertidos le dió la vuelta al mundo y su cuarto lleno de objetos malditos nos auguraban no solo una necesaria secuela de este título sino también spinoffs como en el caso de Anabelle la muñeca diabolica.

Este año Wan regresa con El Conjuro 2, con un nuevo caso de los Warren que inclusive se ha catalogado como el caso más extraño y más documentado de fenómenos paranormales en Inglaterra. Se trata de el caso Enfield que ocurrió en la década del 70 a una familia de clase media cuya casa se encuentra aun entre los lugares más aterradores de todos los tiempos. Un ente diabólico vive en la casa de una mujer soltera y sus 4 hijos que deben acudir a los esposos Warren para desentrañar y exorcizar este mal inherente en el lugar.
Si bien la premisa la hemos visto antes, James Wan se las ingenia de una manera magistral para lograr nuevamente no caer en esos lugares comunes, innovar con el movimiento de camara y poder involucrar al espectador ávido de sentirse asustado para que sienta miedo genuino y brinque de su asiento cada vez que un espectro malevolo aparece en la pantalla.

El regreso de los protagonistas principales, Vera Farmiga interpretando a una atormentada Lorraine Warren con muchas ganas de interpretar al personaje y dotándolo de matices heroicos y atrevidos en su paso por esta historia. Patrick Wilson excelente en su papel paternal y de esposo comprensivo ante los hechos diabólicos que los envuelven. La fotografía de Don Burgess un veterano con amplia experiencia en manejo de claroscuros y de momentos lumínicos dramáticos. La música de Joseph Bishara que ha compuesto casi todo el recorrido de James Wan por la gran pantalla, dotando de momentos verdaderamente espeluznantes a la cinta y logrando que el espectador brinque de la sala con cada acorde de su trabajo, es verdaderamente un ensamble redondo y muy logrado.

Sin duda alguna EL CONJURO 2 es una gran cinta de miedo, un poderoso ejercicio de lo que se puede lograr mezclando un director ágil, joven y con propuesta y una historia verdaderamente trabajada y que logra su objetivo, entretener y asustar, dos elementos claves en el cine de terror.
Una buena recomendación para aquellos amantes del género que buscan un poquito más que simple sangre o efectos especiales elaborados. Un cuento clásico que encima tiene sus bases en la vida cotidiana, en el mal que ronda por todos lados.
James Wan lo logra otra vez y con creces, que vengan más casos de los Warren, serán muy bien recibidos!!

EL CONJURO 2
director: James Wan
escritor: Carey Hayes y Chad Hayes
Productor: Rob Cowan
Fotografía: Don Burgess
Musica: Joseph Bishara
Actores: Vera Farmiga, Patrick Wilson

Horror, Sobrenatural

Calificación: 8.5 de 10

X MEN APOCALIPSIS requiem por unos mutantes

En el año 2000 el director Bryan Singer presentaba al mundo a los mutantes más famosos del universo Marvel y desde esa fecha los Xmen se convirtieron en los rostros de Patrick Stewart como el profesor x, Halle Berry como tormenta y por supuesto Hugh Jackman como Wolverine. Después del éxito se realizó una secuela más, dirigida por Singer y una tercera entrega que será recordada como la película que mató a los mutantes dirigida por el infame Bret Ratner. Han pasado 16 años desde esa primera entrega y después de algunos spin offs de wolverine y reboots o precuelas hemos llegado al momento del apocalipsis.

Brian Singer ha vuelto a la silla de director y ahora con los rostros nuevos y algunos otros conocidos una nueva aventura de los mutantes se encuentra en la pantalla. Xmen Apocalipsis es una cinta divertida, entretenida y muy pero muy fallida en su desempeño. Con un guión de Simon Kinberg que entre sus créditos se encuentran dos historias muy pero muy malas; la tercera parte de Xmen llamada the last stand y el horroroso reboot de Los cuatro fantásticos estrenado el año pasado. Esta nueva cinta de los hombres X camina entre lo entretenido de una propuesta de verano y lo mas atroz de una cinta que no tiene un rumbo fijo a seguir.

La historia del primer mutante llamado a si mismo Apocalipsis interpretado de una manera muy paródica por Oscar "Poe Dameron" Isaac dando risa y lastima a la vez, tratando de hacer una interpretacion que esta al nivel del peor hombre de hojalata y Ming de Flash Gordon, que debe destruir el mundo para construir encima un mundo nuevo donde reine el caos(esto dicho con una risa maquiavelica despues de la frase) y que sus poderes sean más que ilimitados, es totalmente absurda y sin mucho contenido dentro de la película. Obviamente para poder lograr sus planes debe reclutar otros mutantes y realzar sus poderes, además de robar el poder de ver todo, del profesor X interpretado con mucha garra por un James McAvoy muy contento con su personaje. Así los más jóvenes de los Xmen deberán reunirse para pelear contra este malevolo individuo y convencer a Magneto interpretado por un muy correcto Michael Fassbender (que en varias partes de la película, sobretodo al final no sabe que hacer con sus poderes) de no destruir el mundo bajo los poderes de Apocalipsis.

En fin una cinta que cae en momentos divertidos necesarios como los protagonizados por el mutante Quicksilver interpretado por Evan Peters y otros metidos con calzador como la secuencia donde aparece Wolverine, solo para alagar a los fans.
Hacia el final de la cinta los hoyos enormes del argumento, la falta de ritmo y de sentido de la trama, el villano que nunca llega a ser peligroso ni a cuajar en su malévolo intento, le juegan en contra a la cinta, en el climax los escenarios de carton, el CGI mal usado y la falta de coherencia narrativa hacen su aparición y en definitiva causan que los buenos momentos se diluyan en una cinta más donde los efectos especiales cobran una importancia superior ante la historia que se cuenta.

Xmen apocalipsis en una cinta de verano, sin mucho que ofrecer, una más para el universo marvel y sin duda un intento fallido por recobrar la frescura de los dos primeros filmes y del reboot llamado Primera Generación. Para verla pues hay que apagar un poco el cerebro, tratar de no ver tantos errores en el aspecto digital, entender que la cinta por si misma se sostiene solo por su reparto que la verdad le hecha mucha ganas y que en definitiva los mejores años de los mutantes han quedado muy pero muy atrás.

Nadie esta peleado con las cintas entretenidas y divertidas sin mucho que ofrecer, pero hubiese estado mejor algo que nos pudiera emocionar mucho más.

XMEN APOCALIPSIS
Director: Bryan Singer
Escritor: Simon Kinberg
Productor: Lauren shuler Donner
Musica: John Ottman
Actores: Michael Fassbender, James McAvoy, Jennifer Lawrence

Aventuras, Superhéroes

Calificación: 6.0 de 10

EL MUNDO RARO DE LA LANGOSTA

Cine diferente, películas extrañas o distintas a todo, no hay muchos ejemplos y menos de cine contemporáneo. En 2009 el director Griego Yorgos Lanthimos sorprendió a propios y extraños con la inusual cinta Dogtooth que debuto en el festival de Cannes de ese año cosechando elogios y buenas críticas, después fue considerada para el oscar a la mejor película extranjera y por supuesto puso los ojos en este director del mundo entero.
En el 2015 Lanthimos vuelve a la carga con una cinta protagonizada por Colin Farrel, Rachel Weisz y John C Reilly hablada en ingles y francés y con una premisa perturbadoramente original. En una sociedad futura o ficticia la soledad es un asunto de temerse, el estar solo es para algunos una forma de existencia pero en este mundo no esta permitido. David esta a punto de recluirse en un hotel donde tendrá 45 días para enamorarse nuevamente y conseguir una pareja, si no lo logra sera convertido en un animal y seguirá su vida en la vida salvaje.

Desde esta alocada idea Lanthimos construye un ambiente si bien futurista en ideología, muy convencional en su construcción, el poco uso de diálogos, momentos verdaderamente parcos y absurdos y la iluminación casi en su totalidad con luz natural hacen que se vuelva algo intenso, apocalíptico y casi vacío pero contundente en su narrativa.

El romance, esta presente en todo momento pero desde una mirada destructiva, farsica y con un humor negro verdaderamente digno de aplaudir, los personajes no solo deben buscar su pareja ideal antes de convertirse en bestia, sino que también deben lidiar con la vida en ese hotel, donde la masturbación no es permitida y si se hace se reprende quemando las manos con una tostadora de pan al infractor. Las relaciones personales se vuelven dificiles de alcanzar y por momentos refleja mucho de la realidad en la que vivimos actualmente, con esa falta de sensibilidad y la ausencia casi total de conciencia en relación con el otro.
Sin duda esta cinta THE LOBSTER(la langosta) es un ejercicio que no deja a nadie indiferente, ese cine que se hace poco pero cuando se hace bien puede lograr que uno hable de la cinta por días y se la lleve a la realidad de una manera cotidiana.

Las actuaciones sobre todo la de Colin Farrel que subió varios kilos para representar este papel es destacada porque precisamente saca al actor de su zona de confort y lo vuelve un personaje detestable y a la vez tierno. Rachel Weisz su contraparte femenina que hay que esperar casi una hora para verla en la historia es definitivamente un personaje opuesto a toda su filmo grafía y define perfectamente lo que debe ser la visión del romance desde el lado femenino.

Podemos decir entonces que esta cinta podría representar el lograr filmar lo que debe ser el amor puro, la pasión insensata que permite que los enamorados hagan cualquier cosa para estar juntos. Suena a cliché de película de Nicolas Sparks, pero en las manos de Lanthimos se vuelve algo oscuro y verdaderamente trascendente. Una recomendación no para todos pero si para aquellos ávidos de algo novedoso y encantador.

THE LOBSTER
Director: Yorgos Lanthimos
Productor: Lee Maghiday
Director de Fotografía: Thimios Bakatakis
Música: Clan Boylan

Film4 productions

119 min
Comedia Romántica

Calificación: 9.5 de 10

EL MIEDO NO ANDA EN REFN

Haciendo una remembranza de cintas pasadas que de pronto se cruzan en nuestro camino en el momento menos esperado, FEAR X la cinta que estreno allá en 2003 y que nunca tuvo corrida comercial en nuestro país y por ahí se podía conseguir en vídeo muy esporadicamente, es sin duda una de esas películas que te rondan por la mente durante días.

Nicolas Winding Refn que ha sido conocido por DRIVE y mas recientemente por THE NEON DEMON tiene una larga trayectoria de películas filmadas en su natal Dinamarca y en Canadá que seguramente quedaron olvidadas en el anaquel de las películas que fueron un desastre en taquilla.
Aquí el protagonista de la historia que nos cuenta Refn es el singular actor John Turturro que sin duda alguna compone personajes muy desiguales y su carrera ha estado llena de altos como cuando trabaja para los hermanos Coen o bien muy de baja cuando decide hacer secundarios horrendos en cintas horrendas de Adam Sandler.

Turturro interpreta en FEAR X a un hombre atosigado por el asesinato de su esposa, por descubrir que fue lo que sucedió la noche de su asesinato y utiliza el vídeo casero de cámaras de seguridad para indagar y fijarse en lo que nadie vio y así poder entender porque se encuentra solitario sin su amada mujer. Con esta premisa Winding Refn construye un alucinatorio viaje por lo que es real y los deseos ocultos del personaje, pesadillas y situaciones internas que van desde lo fantasioso hasta lo verdaderamente aterrador. La cinta transcurre y surgen miles de dudas y miles de interrogantes, misterios, enigmas sin resolver que deben mucho al cine de David Lynch o bien al majestuoso poderío de Stanley Kubrick.

En FEAR X nada es lo que parece, los colores cuentan otra historia, y nos deslumbran con la fotografía de quien fuera el Gaffer y el asistente de Camara de cintas de Staley Kubrick claves como Barry Lindon o El Resplandor y su ultima maravilla Ojos Bien Cerrados, aca convertido en director de fotografía Larry White y la sorprendente y eterea música de Brian Eno.
Sin duda una cinta para recordar, un thriller arriesgado, diferente en todo sentido, cine para pensar y percibir con los sentidos. Como dice Winding Refn porque el arte plástico puede ser abstracto y el cine no, si también es arte? Aquí una cinta que si no han visto merece la pena verla y si por azares del destino llega a cruzarse en su camino, tengan por seguro que no los dejara indiferentes. De lo mejor que he visto últimamente.

FEAR X
Director: Nicolas Winding Refn
Productor: Henry Danstrup
Fotografía: Larry Smith
Música: Brian Eno
Protagonistas: John Turturro, Deborah kara Hunger, James Remar
Duración: 91 min
Thriller

Calificación: 9.0 de 10

LA BRUJA DE TUS PESADILLAS

Hace algunos años las cintas de terror sobrenatural, en especial aquellas que trataban temas sobre el señor de las tinieblas eran muy socorridas en la taquilla internacional, cintas como El príncipe de las tinieblas del maestro John Carpenter o El exorcista de William Friedkin atiborraban de público las salas y hacían inclusive llegar a la audiencia un frío escalofriante cada vez que se mencionaba su existencia.

Hoy en día el cine de terror esta de capa caída, pocas son aquellas películas que verdaderamente representan una búsqueda hacia el horror puro y sobre todo definen su existencia no por el susto barato que más tiene que ver con el sonido fuerte que sobresalta al espectador que con lo logrado visualmente, ni tampoco por la historia facilona de chicos viajando, casa embrujada o posesión demoníaca juvenil cayendo en todos los lugares comunes y haciendo la experiencia por demás aburrida, sino aquellas cintas que buscan en los lugares oscuros de la mente humana, que encuentran en una narrativa clásica la manera de meterse en la piel del público y sin necesidad de grandes efectos digitales o sustos baratos logran asustar genuinamente y quedarse un rato en el subconsciente colectivo. A este ultimo caso pertenece sin duda alguna LA BRUJA (the vvitch a new england folktale) del director Roger Eggers quien debuta con esta cinta utilizando una historia legendaria de nueva Inglaterra de 1630 en donde la superstición y los casos de brujería eran lo más común en esos tiempos.

 Tratando de conciliar con su origen Eggers nos presenta una historia de una familia repudiada por el pueblo y exiliada en un lugar alejado en el campo, donde por supuesto vive la maldad en estado puro. Ahí en ese lugar extraño con esa familia extraña el demonio se hará presente y presidirá su primera ceremonia satánica plagada de misticismo y de fé absoluta. Por esto la iglesia Satánica encabezada por Jex Blackmore ha dado su visto bueno sobre los temas que trata la cinta de Eggers considerándolos verosímiles y muy correctos con la idea del satanismo de los últimos tiempos

La música, el ambiente, la fotografía de Jarin Blaschke nos recuerdan mucho la obra The Crucible de Arthur Miller y que aquí trata de ser solo el marco para el cuento aterrador que nos pretenden contar. Aquí en LA BRUJA no van a encontrar sustos baratos, sonido estridente, efectos especiales de computadora, aquí el miedo no se ve, se siente, se percibe y hay que entrar en este mundo lleno de un lenguaje diferente, de una manera de percibir la realidad distinta, hacer el acto de fe que permite el cine al entrar en un estado hipnótico y entonces, solo entonces podremos disfrutar de la película.
Sin duda una maravilla, una obra para recordar, que decepcionará a aquellos que entran pensando ver una cinta convencional y también a aquellos que no le den la oportunidad de hablar a la cinta por tratarse de un cuento de época y de tener diálogos complejos y a veces cansinos.

Pero si de verdad se quiere disfrutar una cinta de terror con aquellos tintes macabros, diabólicos y aterradores del verdadero cine de miedo, esta es la opción para verse y darle una oportunidad a algo totalmente diferente.
Adolescentes buscando cine de miedo barato abstenerse

LA BRUJA
Director: Robert Eggers
Guion: Robert Eggers
Música: Mark korven
Fotografía: Jarin Blaschke
Producción: Daniel Bekerman
Reparto: Ralp Inneson, Anya Taylor- Joy, Kate Dickie

Terror sobrenatural

Calificación: 8.0 de 10