sábado, 20 de enero de 2018

LAS HORAS MÁS OSCURAS


El director Joe Wright que en el 2005 dejo muy en claro que lo suyo son las adaptaciones de época de clásicos como Orgullo y prejuicio (Pride and prejudice) o bien en 2012 Ana Karenina y que ha hecho una revolución visual con estas cintas que han sorprendido a todos por su ritmo y su gran valor autoral, ahora vuelve a la carga con una cinta potente sobre un guión de Anthony Mc Carten guionista que tiene una fascinación por los biopics, contar la vida de un personaje famoso o relevante y que nos mostró su talento con el guión de La Teoría del Todo (The Theory of Everything, 2014) donde nos mostraba la vida y obra de Stephen Hawking y también será el encargado de llevar a la pantalla la vida de Freddy Mercury vocalista de Queen cuyo estreno esta previsto para diciembre de este 2018.
Gary Oldman en la piel de Churchill

Las Horas más oscuras (darkest hour) nos cuenta la travesía de un hombre Winston Churchill (Gary Oldman) por enaltecer los valores de la no rendición en contra de los nazis durante la segunda guerra mundial y sirve también como telón de fondo a los hechos ocurridos en Dunquerque y la salvación de soldados británicos atrapados en medio de un desolador paisaje bélico. La cinta de Wright se encarga de mostrarnos estas horas criticas donde las decisiones de los seres de la esfera del poder, eran claves para determinar el destino de los soldados en batalla y la ideología patriótica de un país poderoso.
El encuentro con el Rey y su disyuntiva

Visualmente Wright se apoya de Bruno Delbonnel que nos involucra de una manera absoluta con el sentir de los personajes con la utilización de la luz expresiva, como si el alma de cada uno se reflejara en esos puntos lumínicos que fabrica y la textura de los tiempos más duros de una gran bretaña a punto de colapsar. La música de Dario Marianelli que ha acompañado todos los trabajos  de este director compagina de una manera casi integral con los movimientos de cámara y el trazo escénico formando una amalgama poderosa donde cada espacio y cada lugar esta perfectamente ambientado con una modalidad de lucha incansable a cada momento y una épica de proporciones increíbles.
Detrás de un gran hombre...

Un apartado especial merece la interpretación de Gary Oldman este actor que todos sabemos que tiene mucho potencial y que últimamente había sido relegado a papeles secundarios en cintas de mediano presupuesto, aquí Oldman demuestra porque es uno de los mejores actores de todos los tiempos, su composición casi mimética de Churchill ataviado con un maquillaje extraordinario que le permite construir desde los gestos, las miradas, los pasos; a este personaje conflictuado que tiene el destino de un país sobre sus hombros, es sin duda alguna una de las mejores actuaciones de todos los tiempos. Gary Oldman esta increíble, potente, alucinante, se pierde en el cuerpo de este hombre que interpreta y logra inclusive hacerlo carismático, natural, orgánico, como si se tratase de una segunda piel. El Winston Churchill de Oldman es el vivo ejemplo de lo que puede lograr un actor con años de piso en el set y con muchísimo talento por delante.
La v de la victoria o a tomar por culo

Los secundarios de lujo Kristin Scott Thomas interpretando a la esposa del primer ministro, Ben Mendelsohn haciendo del Rey George VI un personaje muy ataviado por el poder y la duda sobre  al elegir a Churchill como su vocero de guerra. En fin una cinta redonda, extraordinariamente bien llevada, nada aburrida, con ritmo apabullante, una madurez de Joe Wright como director, que lo coloca en la cima de los autores contemporáneos más importantes de los últimos tiempos.
Joe Wright con Gary Oldman dando los toques finales

EL VEREDICTO: Imparable, justa, con un discurso que raya en lo épico y patriotero pero con una sustancia que pocas veces se puede ver en un biopic. Gary Oldman debe estar nominado al Oscar y ganarlo sin duda alguna. Una de las mejores películas del año.

CALIFICACIÓN 9 DE 10
DIRECTOR: JOE WRIGHT
ACTORES; GARY OLDMAN, BEN MENDELSOHN

GÉNERO: BIOGRÁFICO, THRILLER

sábado, 13 de enero de 2018

LA FORMA DEL AGUA


Definir una película por su contenido y clasificarla como una cinta menor por tratarse de un tema fantástico o tener como protagonista a un ser monstruoso o fuera de lo ordinario es algo con lo que el cineasta Guillermo del Toro ha peleado en toda su carrera. Este director originario de Guadalajara ha dejado claro que el cine de monstruos es algo para tomarse en cuenta y en toda su filmografía ha logrado convencer a propios y extraños del valor real que hay en estas historias o cuentos fabulosos que el ha decidido contar y llevarnos a la pantalla.
Las empleadas se defienden

La forma del Agua es su nueva propuesta y nuevamente del Toro ha decidido llevarnos en un viaje a un mundo extraordinario, un submundo para ser mas exactos, donde la ciencia y los monstruos tienen una relación de ambivalencia y la humanidad de alguna manera convive con ellos haciéndolos parte de su existencia. 
El carisma de la protagonista

Elisa Esposito interpretada magistralmente por Sally Hawkins es una mujer muda que trabaja limpiando un lugar del gobierno donde se llevan a cabo experimentos y donde de pronto llegan criaturas extraordinarias para ser estudiadas por los científicos. Ahí Elisa encontrará su verdadero amor en un hombre anfibio, una criatura marina, que han llevado para convertirse en un arma para utilizar en contra de los sovieticos. El jefe de seguridad Richard Strickland interpretado por un como siempre excelso Michael Shannon es el villano de la historia, un malvado psicótico que desea a toda costa torturar y matar a la criatura solo por tratarse de algo que el no considera humano. A partir de esta premisa, el amor entre Elisa y el monstruo crecerá e ira hasta las últimas consecuencias para conseguir ser eterno o al menos luchar porque no termine nunca.
Una amistad inolvidable

Guillermo del Toro construye una fabula detallada, con momentos memorables, otros de carácter excesivo intentando a toda costa que la cinta sea bella, que logre fragmentos inolvidables, que el esteticismo bizarro y extraño que construye se meta en el espectador y lo lleve a vivir una aventura inolvidable.
El villano y la superioridad

La música de Alexander Desplat consigue movernos de un lado a otro en este lugar sin época, sin tiempo, en este espacio donde lo fantástico se mezcla con el mundo real, reflejando esta soledad y a la vez ingenuidad de nuestra protagonista. El trabajo fotográfico de Dan Lausten es sin duda uno de los mejores del año y seguramente cosechará al menos la nominación al premio de la academia por entender a la perfección dentro del espectro lumínico la idea del director y llevarla  a un nivel asombroso. Los claroscuros, los verdes, los neones, los rojos vibrantes y esos momentos de sombra y luz que nos llevan a entender este pequeño universo desde los ojos de los personajes y a creer en la existencia de lo fantástico. 
La muda y el monstruo

Por supuesto que no todo es perfección la película se esfuerza demasiado por gustar, por definir a los protagonistas con muchísimo carisma y eso la lleva al exceso, los momentos donde Del Toro se siente desatado, sin mucha rienda se llevan un poco esa magia que nos construye, sobre todo en el segundo acto de la cinta. 
Hacia el final, todo se vuelve anecdótico, la resolución es simple y hasta predecible, no hay un verdadero reto o arco del personaje tan marcado que nos deje con la boca abierta y aunque Del Toro se empeña en forzar bastante lo mágico, se vuelve en algún punto algo que ya habíamos visto antes.
Doug Jones compitiendo por ser el mas memorable monstruo del cine

Sin embargo el tono de la cinta no es para nada ligero, hay una madurez importante en el realizador, esta cinta refleja lo que Cronos intentó hacer en los primeros días construir y generar ese universo pequeño dentro de una realidad latente, aquí en la forma del agua se consigue con creces y aunque de pronto se manipule o se construya desde solamente la forma, el fondo esta presente y al final deja un buen sabor de boca.
Del Toro en su mejor momento

EL VEREDICTO: Bella en su forma, un poco forzada en el fondo, pero sin duda alguna es el gran regreso de Guillermo del Toro a sus orígenes, aquí hay un director con todas sus letras y que más orgullo que ese director sea mexicano. La forma del Agua es un cuento bello para adultos que vale la pena disfrutar en la gran pantalla.

CALIFICACIÓN 8 DE 10
DIRECCIÓN: GUILLERMO DEL TORO
ACTORES: SALLY HAWKINS, MICHAEL SHANNON

GÉNERO: FANTASTICO

viernes, 12 de enero de 2018

EL GRAN SHOWMAN


El espectáculo que define el arte cinematográfico es uno de sus principales atractivos para el público en general y es algo que Hollywood no olvida en ningún momento, decidiendo dar luz verde a proyectos que en otros años serían prácticamente impensables. Después de lograr cosechar el éxito con musicales como La La Land y probar que no solamente se pueden hacer sino que se pueden hacer muy al estilo de las viejas cintas de este género que se han quedado como grandes clásicos en el inconsciente colectivo, el director debutante Michael Gracey junto con Bill Condon y Jenny Bicks nos traen la historia del hombre que invento el circo como un espectáculo masivo y que logró convertirlo en la gran carpa de entretenimiento gigante que ha sido explotada por muchas generaciones.
El museo del espectáculo

Hugh Jackman interpreta a P.T Barnum un empresario que decide hacerle frente a la crisis para sacar adelante a su esposa Charity(Michelle Williams) creando un espectáculo lleno de fenómenos de la naturaleza y dotarlos de una vida en un gran escenario. A este emprendimiento se le unira Philliph Carlyle (Zack Efron) un niño bien que decide aventurarse y compartir la locura de Barnum por el show y los grandes reflectores.
La música que es parte primordial de este batido cinematográfico la ponen Ben Pasek y Justin paul que también estuvieron involucrados en La La Land y que reflejan su enorme amor por el pop y la música melosa que acompaña esta propuesta llena de momentos noños, cursis y de coreografías espectaculares.
Hugh y Williams la pareja sensación

El gran Showman es una cinta con un guión endeble, los arcos de los personajes están desdibujados y muy diluidos por el espíritu festivo y bondadoso de la cinta, es como si todos los retos a los que se enfrenta nuestro personaje principal no tuviesen ningún efecto negativo, sino por el contrario, el mensaje y la algarabía de un mundo feliz se imponen ante todas las adversidades. 
Wolverine sabe bailar y cantar

La familia, los valores, el amor y la amistad están presentes en este batido absurdista que peca de ser demasiado moralino y encima coloca esto por arriba de la historia que simplemente sirve como un anclaje para todos los números musicales.
Las canciones en definitiva se sienten fuera de lugar, un poco forzadas al tratarse de una cinta que retrata una época y que  no corresponden al lugar y el tiempo del que se habla. Aquí parece un show de música pop moderna, con baladas y canciones que si se ven desde un punto de vista exigente no van acorde ni con la época, ni con la historia que se plantea en el guión de esta cinta.
Zack Efron recordando sus mejores días del High School Musical

El diseño de arte y la fotografía se dan lujos que pocas veces ocurren en el cine convencional y eso lo vuelve entretenido, el carisma de Jackman para interpretar estos personajes buenos y muy queribles es extraordinario, ademas su talento para cantar y bailar como pocos lo hacen. El reparto que complementa la historia Zack Efron en su elemento, Zendaya cuya carrera va en ascenso y se ha convertido en un referente del pop actual, Rebecca Ferguson con un personaje que canta y se ve como una muñeca de pastel, son bastante decentes y logran fusionar la idea de varios actores, cantantes y bailarines en escena como si se tratase de un espectáculo de Broadway de los nuevos tiempos.
Espectáculo sin cafeína

Sin duda alguna Hollywood le saca partido al presupuesto y aquí el Show es precisamente eso, un lugar donde se puede explorar sin fijarse si el fondo o la historia valen mas que la parafernalia o lo espectacular de la propuesta.
Michael Gracey recordando que para la próxima debe tener un mejor guión

EL VEREDICTO: Entretenida, sale a flote por el carisma de Hugh Jackman y sus coprotagonistas, un plato muy dulce y rosa que no aporta mucho al cansado género de los musicales pero que si se ve como un simple espectáculo funciona de la manera más simple posible.

CALIFICACIÓN 6 DE 10
DIRECTOR: MICHAEL GRACEY
ACTORES: HUGH JACKMAN, MICHELLE WILLIAMS

GÉNERO: MUSICAL

lunes, 8 de enero de 2018

DETROIT


La contundencia del discurso cinematográfico, la cámara como un narrador implacable que destroza a su paso cada imagen que se le coloca en frente, eso es un cine que más allá de pretender una coloquial narrativa convencional busca humanizar de alguna manera el aparato convirtiéndolo en casi un personaje que interactua en la puesta escénica de la propuesta visual fílmica. 
Los disturbios

Kathyn Bigelow una directora acostumbrada a esa rudeza nos presenta su nueva cinta llamada Detroit, basada en los hechos ocurridos en 1967 durante los saqueos raciales y la violencia que reinaba en los estados unidos a raíz del malentendido problema de superioridad de raza. Los conflictos sociales que duramente han dejado la historia de esa America llena de racismo y de violencia sin sentido, aquí cobran vida con esta historia de violencia policial y el mayor enemigo de la humanidad, el hombre.
Una noche aterradora

Detroit es la historia de varios jóvenes que son humillados y violentados en un hotel por ser confundidos con terroristas y francotiradores por una policía de Detroit llena de odio racial y prejuicios. Una noche donde una broma se puede convertir en una pesadilla que les cambia la vida para siempre. John Boyega conocido por Star Wars interpreta a un guardia de seguridad que le toca ser uno de los testigos primordiales de esa noche aterradora. El reparto lo complementan Anthony MAckie y Algee Smith
Los villanos y las victimas

Bigelow indica a Barry Ackroyd su director de fotografía que filme planos largos, con cortes violentos, acercamientos, deja a sus actores interpretar libremente, caminar, gritar, sufrir de una manera naturalista, el tono de las escenas es el absurdismo de la realidad, el crear el verosímil a partir de la ficción, como si se tratase de un documental, pero con tintes teatrales. La pertinencia de esta cinta es determinante y aunque en casi todos lados ha pasado casi desapercibida debido al tema incisivo que no es muy grato de ver, sin duda alguna es una de las mejores propuestas que veremos en el año.
El sueño roto

Si pecado más grande quizá es ser un poco tendenciosa, colocar el blanco y el negro en una posición de bandos, tomar partido por supuesto por los agredidos y colocar el odio como parte importante del motivante argumental de toda la idea. Además se le ha acusado a Bigelow de ser panfletera y defender solo una parte de la historia, pero también se vale como cineasta tomar partido, sin duda la visión es parte de ello y no se le puede juzgar por eso.
La directora más ruda de la industria

EL VEREDICTO: Bigelow nos entrega una cinta potente, dura, violenta y con singular relevancia en estos tiempos en los que la diferencia de raza es uno de los principales problemas en el mundo. Los Estados Unidos les pese o no han fabricado su historia en base a inmigrantes y a como se han tratado durante el tiempo. Un documento importante, de una cineasta con puño firme.

CALIFICACIÓN 8 DE 10
DIRECCIÓN; KATHRYN BIGELOW
ACTORES: JOHN BOYEGA, ANTHONY MACKIE

GÉNERO: THRILLER, DRAMA

EL IMPLACABLE


Hablar de una trayectoria importante en el cine, no es cosa fácil, quedan ya muy pocos actores que han logrado trascender y seguir vigentes en nuestros días. Uno de ellos es Jackie Chan este actor, acróbata que recordamos por aquellas funciones de matinee con sus películas de Kung Fu que inundaban las pantallas en aquellas mañanas de domingo. Chan ha sabido ir de generaciones en generaciones haciéndose de un nombre y logrando que el público lo considere ya un ícono del cine de acción y cualquier película que interprete goce al menos de una distribución internacional decente.


La última vez que supimos algo del director Martin Campbell fué por aquel apestoso y contundente flop llamado Linterna verde y que casi le acaba la carrera o al menos lo retiro por varios años de la dirección cinematográfica haciendo que los estudios le retiraran presupuestos exhorbitantes para sus siguientes proyectos.
Chan haciendo ver a 007 sus errores

Ahora este director, trae de vuelta a Jackie Chan junto con el actor Pierce Brosnan que también ha dedicado su carrera después de ser el agente 007 a proyectos independientes, algunos regulares otros totalmente olvidables y que trabajó con Campbell en aquella fallida cinta Golden Eye cuando Brosnan estaba en la cima siendo el 007 a la cinta El Implacable (the foreigner) título en español que ha sido usado hasta el cansancio en películas de acción.
El tiempo no perdona

En esta cinta Chan interpreta a Quan un chino inmigrante que vive en Londres y que es víctima del terrorismo cuando su hija es asesinada en uno de los ataques. Desde ahí Quan ira hasta las últimas consecuencias para saber quienes son los perpetradores del atentado y para ello decide hostigar y presionar a Liam Hennessy interpretado por Pierce Brosnan para que le de los nombres de los culpables y así poder vengarse de la muerte de su hija.
Un Rambo chino

Si bien la premisa no es nada original, ya la hemos visto antes, aquí la seriedad del relato y el paso del tiempo se posan sobre los hombros de Chan un actor, comediante asiático que ha logrado ser uno de los rostros más conocidos del cine de acción y que en todos lados del mundo ha sido conocido como un hombre que arriesga todo para lograr sorprender a la audiencia. El ritmo es lento, la acción es mesurada, no es el Jackie Chan chistoso, sino inmerso en una tristeza absoluta, la pérdida, el odio, el pasado que regresa para cobrar venganza es el plato principal de esta cinta. Campbell se las arregla para evitar caer en la monotonía y genera un primer acto eficiente y serio, un segundo acto ya más cargado de acción y  un tercero que es precisamente lo que la gente pago por ver, acción explosiones y peleas con Jackie Chan.
Chan aun le va bien la acción

La novela en la que se basa el relato The Chinaman de Stephen Leather pregna por supuesto el guión de David Marconi y logra internarnos en ese thriller cargado de sentimientos que pocas veces logran las películas de acción tradicionales. Es verdad que acá en The Foreigner no esta del todo logrado, se siente mucho la mano de productores no asiáticos en las decisiones del rumbo de la cinta, pero sin duda alguna, hay una intención de no quedarse a medio camino y poder crear un thriller muy decoroso lleno de momentos emocionantes y otros melancólicos.
Martin Campbell tratando de repensar su carrera

EL VEREDICTO: Mas pausada que de costumbre, un thriller de acción bastante decoroso, no es la cinta de jackie chan con peleas sin sentido, aquí hay una búsqueda de algo más profundo aunque hacia el final exista un filme de acción convencional. Una de las mejores cintas de Jackie Chan de los últimos 5 años sin duda alguna.

CALIFICACIÓN: 7.5 DE 10
DIRECCION. MARTIN CAMPBELL
ACTORES: JACKIE CHAN, PIERCE BROSNAN

GÉNERO: THRILLER, ACCIÓN

miércoles, 3 de enero de 2018

LEATHERFACE



Cuando me preguntan que recomiende alguna cinta de terror clásico contemporáneo, sin duda alguna mi primera opción es para la cinta mas relevante del cine independiente americano de los últimos tiempos. Una cinta hecha con amor, poco dinero y mucha creatividad y me refiero por supuesto a La Masacre de Texas (the texas chainsaw massacre, 1974) del director Tobe Hopper que se metió en nuestras mentes recreando y reinventando de una manera aterradora los crímenes cometidos por Ed Gein y que fabrico el que por mucho sera considerado uno de los personajes más bizarros de la historia del cine; Leatherface o caracuero.
La belleza de nuestros personajes

Lejos quedaron esos días en los que el cine de terror nos sorprendía con cosas nuevas, personajes que se quedarían en nuestras pesadillas y le pondría rostro al coco que nos asustaba si nos portábamos mal. Ahora varias empresas entre ellas lionsgate ha tenido la delicadeza de reinventar, refritrear o intentar contarnos el génesis de estos personajes y ese es el caso de la cinta que lleva por título Leatherface y que tiene como directores a Alexandre Bustillo y Julien Maury que se hicieron particularmente conocidos en  Europa por la cinta Inside en donde la sangre excesiva era el plato principal y una historia particularmente bien contada llamada Livide y que les dió un lugar en el mundo del cine de género.
La infancia, el mejor momento de nuestras vidas

Bustillo y Maury, haciendo su debut en Estados Unidos, nos presentan el génesis de este personaje contándonos su infancia, la reiterada idea de que la madre posesiva y diabólica junto con una familia de asesinos descerebrados se llevan siempre y que nuestro querido caracuero tuvo que ver morir mucha gente y participar de una manera u otra con los asesinatos perpetrados por su familia, para convertirse en ese ser gigante y nauseabundo que nos presento Hopper en la primera chainsaw.
No solo Han Solo y Luke se pueden esconder en las tripas de un animal

Aquí por supuesto que hay sangre, personajes sin la menor condición lógica que se dejan arrastrar por la voragine de locura y sadismo de la idea, necrofilia, desmembramientos humanos, asesinatos muchos y sangre corriendo por la pantalla. Stepher Dorff interpreta al Sheriff Hal Hartman que ha sido víctima de esta familia de asesinos y decide cobrar venganza por su propia mano, aunque sus métodos son brutales también este personaje es quizá lo más rescatable de la cinta.  Vanessa Grasse es la chica guapa que escapa de un hospital psiquiátrico con sus pacientes y termina involucrada con este grupo “incluyendo al que será Caracuero” de dementes asesinos que buscan sangre. Todo en un ir y venir de gato y ratón sin menor cordura que de pronto se vuelve muy cansino al ser demasiado repetitivo.
El momento esperado de la motosierra

Lo demás en tonos ocres, sustos sin susto(audio sustos) una historia que no interesa, un Caracuero que aparece solo en una escena de la cinta, referencias a varias otras películas muy similares. Una cinta convencional, con sangre, con violencia pero sin ningún trazo dramático que pudiera hacerla interesante o al menos entretenida.
La justicia les llega a todos

Los directores tratando de contener los tomateros podridos por este debut

EL VEREDICTO: Innecesaria como toda precuela, sin sentido alguno, vacia de contenido, nada nuevo bajo el sol. Aunque si eres de los que aun disfrutan ver sangre y asesinatos brutales en el cine podría ser algo para ver, aunque quizá no precisamente en una sala cinematográfica.

CALIFICACIÓN 4 DE 10
DIRECTOR: Alexandre Bustillo y Julien Maury
ACTORES: Stephen Dorff, Lilly Tomlin

GÉNERO: Slasher Terror

martes, 2 de enero de 2018

UNA HISTORIA DE FANTASMAS


Cuando uno se encuentra inmerso entre tanta grandilocuencia cinematográfica con salas atiborradas de super héroes y de películas vacías de contenido ruidosas y explosivas, siempre viene bien un descanso merecido. En los primeros meses del año y seguidos de la carrera por los premios, las cintas que llegaran en estos meses deberán ser esa bocanada de aire fresco ante tanta monstruosidad computarizada. 
La musica del recuerdo

Así, perdida en los anaqueles se estrena a Ghost Story o Una historia de fantasmas. La nueva cinta de un director como James Lowery que ha estado muy activo en el cine independiente en los últimos años con cintas como Aint them Bodies Saint que nunca logró la distribución internacional y también ha intentado colarse con cintas comerciales como Pete´s Dragon en 2016 es algo digno de tomarse en cuenta, ya que sin duda se trata de su trabajo más personal y curioso de su filmografía.
Como comer un pay de chocolate cuando eres vegano en un plano

Una historia de Fantasmas se trata de la perdida, del vacío de ese lugar que dejan aquellos que no están más con nosotros. M (Rooney Mara) ha perdido a C(Casey Aflleck) ya que murió en un accidente. C se ha vuelto un fantasma, que se ha quedado con M todo el tiempo, obsevandola, viendo sus actividades como una entidad que maniobra solamente con la frustración de no estar vivo. 
El fantasma de la historia

La cinta se mueve minimalistamente, lenta, precisa, con planos absolutistas de un solo tiro, sin mover la cámara mucho, construyendo ese lugar extraño de tiempos indefinidos por donde se mueve este fantasma ataviado con su tradicional manta blanca. El drama humano de seguir viviendo en una sociedad que esta al borde del fracaso absoluto. De caminar por el tiempo exacto para conectar con lo que será el destino manifiesto del la vida misma, la muerte y poder entender su significado.  
Los lugares y el tiempo indefinido

Esta historia nos deja un rato pensando sobre el adiós definitivo, sobre aquellos vestigios del pasado y su repercusión en el presente. Lowery se las ingenia para que ese fantasma nos ayude a entender eso, con una estética particular como si viésemos una película casera con un negativo de super 16mm, como una cinta vieja anacrónica, que debe su rarencia de formato a la costumbre de las nuevas generaciones de visualizar de forma panorámica. El fotógrafo Andrew Roz Palermo coloca su iluminación muy naturalista en ese tono grisaseo, casi borroso, como aquellos recuerdos que se quieren borrar pero que nunca logran hacerlo del todo.
El silencio en su máxima expresión

La música es casi mínima, el sonido, los silencios, los no diálogos inundan la idea. La premisa sencilla, muy pequeña muy formal y sin grandes tonos fantásticos.
Un curioso Casey Affleck tratando de actuar bajo la manta

La historia de amor entre C y M se reduce a la anécdota de la historia, pero sin duda alguna eso la vuelve un ejercicio por demás interesante.

James Lowery y Rooney Mara después de sundance

EL VEREDICTO: Un cuento simple, sin pretensiones, preciosista, minimalista. No es una cinta de terror, no es un drama absoluto. Es una de esas películas que ya no se hacen y que nos ayudan a entender y a disfrutar del lenguaje cinematográfico en su estado mas puro. No es para todos los gustos ni tampoco para quien vaya con la idea de ver algo convencional. Pero si se le da una oportunidad puede ser una grata experiencia

CALIFICACIÓN 8 DE 10
DIRECTOR: JAMES LOWERY
ACTORES: CASEY AFFLECK, ROONEY MARA

GÉNERO: DRAMA FANTÁSTICO